martes, 28 de diciembre de 2010

Red.

Un ex agente de la CIA está viviendo su vida de retirado, que da un giro cuando una serie de personas ingresan a su casa con intenciones de matarlo. Él, claro, se resiste (es Bruce Willis) y comienza a contactar a ex compañeros suyos para que se unan a él en una respuesta sangrienta contra la organización que los busca, y descubrir así quién está detrás de una serie de asesinatos que coinciden con los nombres de una lista negra. En esta aventura se verá envuelta una muchacha que sólo lo conoce a Willis telefónicamente, y será puesta en situaciones peligrosas de las que todos, en conjunto, deberán salir. Una película absurda, tonta y mal hecha. Un desperdicio de grandes actores. Un aburrimiento inexplicable. Sólo me resta una duda en el minuto inicial: un tema con los relojes en la primer escena, despertarse a las 6 de la mañana, dar unos pasos y ya son las 7. ¿Algún interesado en contestar? Comedia de acción para NADA recomendable.

RED: Retired Extremely Dangerous.



Trailer Subtitulado al Español.





Crítica.

Una despreciable, nefasta y absurda comedia de acción lleva el nombre de RED, siglas que podríamos especificar acá en Argentina como "Retirados Extremadamente Dañinos" (en Estados Unidos, la D es por Dangerous, es decir, peligrosos, lo que habría hecho que RED llegase como REP). En el caso de que en Argentina hubiese sido distribuida como REP, sólo habría bastado sustituir la E por la I, para darnos una señal de alerta que nos advirtiese, de ese modo, que RED, REP, RIP o como diablos se llame, no tiene una sola gota de vida, es una película tan viva, estática e inexpresiva como una estatua, aunque queda más que claro que contemplar una estatua suele ser muchas veces más entretenido que absorber más de cien minutos de semejante despropósito.
La historia toma el humor de "Sr. y Sra. Smith" y lo idiotiza hasta convertirlo en algo completamente opuesto (cosa de la que la película, en sí, parece estar orgullosa) y algunas ideas de "Watchmen - Los Vigilantes" (una nueva generación de "superhéroes" que van perdiendo su color, muchos envejecen pero no molestan a nadie, hasta que a uno le tocan un pelo y saltan todos a matar y a matar) para estructurar una película para nada ofensiva. No tiene nada más ofensivo de lo que es, en sí, ver la película y pasa por delante de los ojos del espectador como una tortuga que atraviesa una avenida; es tan sencilla, tan común, que por ser común y no estallar se hace molesta. Más molesto aún es tener en cuenta que tiene uno de los elencos más deliciosos del año. Tenemos actores ganadores de decenas de premios, consagradísimos en su tarea y acá demuestran que son mejores matando que actuando (bueno, que expresando mínimamente algo), lo cual en sí es fastidioso. No ver a Bruce Willis en estado de putrefacción (da gusto verlo en "La Ciudad del Pecado", otra película sacada de un comic donde el personaje está pasado en años), sino ver a Bruce Willis envuelto en el ridículo. Pero lo más molesto de todo, es que la dirija Robert Schwentke, director de "Tattoo" con August Diehl (Salt, Bastardos sin Gloria, El Noveno Día), un excelente thriller de suspenso y "Eierdiebe" con Julia Hummer (Carlos) una inteligente tragicomedia sobre enfermedades terminales; es algo que me da casi tanta rabia como ver que Florian Henckel Von Donnersmarck dirige "El Turista" (aunque ése es otro tema). Pisar Hollywood le ha cambiado la cabeza al director. Con "Plan de Vuelo" parecía tener problemas de aterrizaje, con "Te Amaré por Siempre" ya el avión había caído de trompa y con "Red" directamente no logró sacar la cabeza de la tierra. Un verdadero desperdicio.
Hablando de estatuas, la película es tan organizada y estructurada como una de ésas. Tenemos una hora y cuarenta y cinco minutos divididos en una introducción (que dura una hora) y un desarrollo (que dura cuarenta y cinco minutos). No voy a hablar de finales porque ni siquiera tiene uno. Y cuando un prólogo devora un libro, tanto sea en cantidad o en calidad, es porque las cosas no andan muy bien (principalmente si es de cantidad; hay muy buenos prólogos y muchos tan buenos como el resto del libro en cuestión). Está claro que si Helen Mirren (del elenco, la mejor actriz) aparece en el minuto 60 y da inicio a una oleada de tiros (que no cesan en ningún momento, es un malgaste de balas), es porque aún más claramente las cosas no andan muy bien. De hecho, andan mal.
Pese a todo, siempre hay un pequeño lugar para hablar de las cosas positivas (que Ryan Reynolds, en "Enterrado", podría contar con la mitad de los dedos de su mano) y desgraciadamente son mínimas. Por un lado, vale tan sólo ver el Trailer (no digo la película) para observar el gran personaje de John Malkovich; por otro, un sólo momento gracioso de la mano del mencionado actor que no llega a durar diez segundos. Pero bueno, para ver a John Malkovich hay miles de buenas propuestas, y para reirse, basta buscar algún video en Youtube. Un funeral puede sacarnos muchas más sonrisas que este desafortunado desperdicio.
Puntuación: 2/10 (Mala)

lunes, 27 de diciembre de 2010

El Ilusionista, de Sylvain Chomet.

Una noche parisina a fines de la década del 50. Un ilusionista acaba por darse cuenta de que su espectáculo ha perdido notoriamente el atractivo masivo de años anteriores, y decide desplazarse hacia otros nuevos territorios para probar suerte, aunque ve que la respuesta sigue siendo más o menos negativa. No todo es tan malo, pues para cortar con su vida solitaria, una joven niña a quien sus trucos ha encantado, lo sigue en uno de sus viajes, tomándolo como una especie de tutor. Ella está convencida de que el mundo de la magia y la ilusión es el verdadero, y este ilusionista intenta conservar esa idea pura e inocente mientras se ve más y más hundido en la imposibilidad de conseguir trabajo. Es, para quienes la han amado, una "La Vida es Bella" animada, francesa y muda, pero bien hecha. Demasiado bien hecha.
La hija de Jacques Tati, director de la premiada "Mi Tío", años después de su fallecimiento, ha conseguido que el guión escrito por su padre sea llevado a la pantalla grande nada más y nada menos que por el cineasta Sylvain Chomet, encargado de la extraordinaria "Las Trillizas de Belleville". Muy Recomendable.

L'illusionniste.


Trailer en su versión original.





Crítica.

Hipnótica, conmovedora y bellísima animación de Sylvain Chomet. Basada en un guión "desenterrado" de Jacques Tati (Mi Tío) adaptado por el propio director, la película mezcla una mirada crítica de la sociedad de consumo, la cultura, con el poder de la magia, el humor y la emoción de las relaciones humanas. Tras "Las Trillizas de Belleville", la primer película de Chomet en el 2003, "El Ilusionista" sigue con una estética similar (en cuanto al tipo de caricaturas, la interacción entre personajes y hasta la mirada de las grandes ciudades, el teatro, eje a partir del que giran -de alguna manera- ambas historias); aún así, su más reciente largometraje cuenta con un estilo completamente diferente, con una historia prácticamente opuesta (una es hasta más alegre, chillona, escurridiza; la otra, mucho más apagada, oscura y profunda) aunque con un encanto que parece mantenerse constante.
La relación entre un ilusionista frustrado (ok, quizá frustrado no, pero con severas complicaciones a la hora de conseguir trabajo) y una niña que lo toma como algo más que un tutor, casi como un padre (y que confía ciegamente en él y en sus trucos) es bellísima. Ella conserva una inocencia angelical, y él, es capaz de hacer todo para que ésto se mantenga; pero la realidad es otra, una vida que no tiene nada que ver con la magia, con el ilusionismo, quizá ni siquiera para el amor. La vida está inclinada hacia todo lo que genera ingresos económicos, a todo lo masivo. Los ilusionistas, ventrílocuos, payasos, ésos ya no llaman la atención, el público no los aprecia como en la primera mitad del siglo. No debemos olvidar que, al inicio de la película, está cerca de comenzar la década del 60, donde estalla una especie de Revolución Rock y la gente aúlla de emoción por los músicos. Y esos distintos, que están anclados en medio de un sistema capitalista, que están en un mundo que parece no darles lugar (tres ejemplos claros: un personaje al borde del suicidio, otro personaje hundido en la pobreza y un teatro lleno que se reduce a tan sólo dos espectadores, en cosa de tres segundos, al llegar un mago con una galera), son los que siguen buscando desesperadamente una salida que pueda mantenerlos. A algunos les da esperanzas el amor (o la amabilidad); a otros, que no lo tienen, les deprime más y más. Es un choque de culturas, de épocas, a las que desgraciadamente uno debe adaptarse. En "Persépolis", de Marjane Satrapi, una agridulce historia de descubrimiento, se habla algo de ésto: de cómo las tradiciones van cambiando en todo sentido, y van marcando una sociedad (está bien, ya estamos ubicados en los años 80), aunque de un modo mucho más sarcástico, corrosivo.
Es difícil clasificar "El Ilusionista" como una película muy o poco feliz. De hecho, hay felicidad para algunos personajes e infelicidad para otros (curiosamente la felicidad de los personajes está asociada al lifestyle, cosa que puede verse en la sonrisa de quienes mejor se visten, o de quienes portan un mejor automóvil). Es una película que refleja una realidad de adaptación, implantación a un mundo real. El juego del ilusionismo, tiene otras intenciones mucho más amplias. Toda la magia no está sólo contenida en una galera (sí la emoción, dentro de esa galera ocurren algunos de los acontecimientos que acaban arrancándonos alguna lágrima) sino en el modo en que la observamos, en la inocencia que conservamos para creer en algo ajeno, totalmente ajeno a la realidad, a ese mundo al que obligatoriamente debemos ingresar. Es la ilusión, en sí, con que nos reímos (o lloramos) bajo la hipnosis de una música envolvente (la banda sonora es asombrosa), con un guión resucitado que nos hace identificar inmediatamente con la historia desde pequeñeces (es la "Enseñanza de Vida" de este año, una joyita pequeña y magnífica) y la vivimos a pleno. Como cuando nos ponen a prueba, vendiéndonos que una casa puede salir volando con unos cuantos globos encima. Ésa es la ilusión, y depende de nuestra inocencia mantenerla viva como una pequeña llama, o simplemente echarle agua.
Puntuación: 9/10 (Excelente)

jueves, 23 de diciembre de 2010

Cisne Negro: la perfección, la libertad y la muerte.

Darren Aronofsky, el controversial director de "Requiem por un sueño" y "El luchador", vuelve a la gran pantalla con "Cisne Negro", película que recrea cómo una muchacha se prepara para la interpretación de dos roles opuestos en el ballet "El Lago de los Cisnes", llegando incluso al extremo para alcanzar la perfección. Una película cruda, por momentos exagerada, pero aún así artística y ejemplar; sumamente ambiciosa y bastante controlada, no es de las mejores películas del director, pero aún así es totalmente recomendable. Con un ritmo progresivo, que minuto a minuto va haciendo el clima más y más tenso, la película es para el recuerdo.Natalie Portman protagoniza esta gran película, en la que besa a hombres, mujeres y cumple con una destreza específica (no pongo las manos en el fuego ya que prácticamente en ningún momento la vemos bailando de cuerpo completo, por lo que puede ser un doble tranquilamente, aunque basta ver su rostro para darnos cuenta cuán bien lo interpreta), casualmente tres requisitos esenciales para ganar un premio Oscar. Lo peor del caso: es que lo tiene más que merecido. Es la mejor interpretación del año, aún sacando escenas eróticas y de baile: es necesario tan sólo verla llorando de alegría en un baño, llamando a su madre, para darnos cuenta que en meses estará justamente alzando la estatuilla dorada. Completan el elenco Mila Kunis (¡Toda una revelación!) y Vincent Cassel, un genio que igualmente no ofrece la mejor de sus actuaciones. Recomendable.

Black swan.




Trailer subtitulado al español..








Crítica.

Intenso, crudo e hiriente thriller psicológico. Darren Aronofsky es, según mi criterio, uno de los mejores (sino el mejor) cineastas de los últimos tiempos. Desde el inicio de su carrera en largometrajes con "Pi" (de la que "Black Swan" más cosas extrae), siguiendo por la fantástica "Requiem por un sueño", "La fuente de la vida" y "El luchador", esta última, obra menor en comparación, pero aún así muy buena, ha sabido demostrar la "degeneración del ser humano", es decir, su involución y cómo acaba hallándose frente a la muerte (a veces, cruzándola). Esta involución puede tener diferentes causas pero acaban llevando a lo mismo.
El director asiduamente incluye en sus obras ciertos aspectos fantásticos, que no son más que metáforas o efectos de la locura. No es que caiga comida del techo, que uno pueda agujerearse el cráneo y salir vivo, que uno viaje siglos atrás y adelante para encontrar curas, simplemente significan algo particular en relación a la historia. Acá, estos "aspectos fantásticos" hablan de cómo toda persona, a la larga o a la corta, es bipolar, tiene dos caras. Muchos creen fuertemente tener una, cuando en realidad, una cara oculta acaba trabajando en su lugar. Y así se desarrolla "El Cisne Negro", historia no sólo de identidad, sino de libertad. Tal como la historia dentro de la historia, "El lago de los cisnes", la libertad y la muerte son dos elementos protagónicos, que van devorando a aquella pequeña y frágil niña que los interpreta.
Natalie Portman, la estupenda actriz de "Closer" nominada al Oscar, interpreta a Nina, una bailarina que debe interpretar tanto al Cisne Blanco (puro, virgen, espiritual) como al Cisne Negro (impuro, erótico, concreto), aunque encuentra (con este último personaje) severas dificultades. A la medida que el día de la presentación de la obra se acerca, ella va demostrando cada vez más actitudes turbias, asociadas a un cisne negro, y el personaje la va devorando a ella. Así, vemos como la ficción y la realidad (que esta última es realidad dentro de la película, pero no deja de ser ficción) se van mezclando y absorbiendo una a otra, para representarnos la autenticidad y la perfección de una obra sufrida y cruel.
En medio de los ensayos aparece una señorita, Lily, a la que Nina toma como una amenaza. Intenta alejarse de ella, pues siente que sólo quiere tomar su papel protagónico de la forma que sea. Sin embargo, la relación entre ellas se va tornando misteriosa y hasta bifurcada (por los espejos, por ejemplo; incluso hay una escena lésbica que puede interpretarse, por ejemplo, de dos formas: o que Lily intenta seducirla y luego la hace pasar por loca, o simplemente es una forma de representar el placer autoinducido, al que su profesor le invita para interpretar con mayor pasión a su personaje). No es que Lily tenga una importancia altísima, es simplemente aquella figura que lleva a Nina a un viaje hacia su propia identidad, para descubrir quién es realmente. Nina va teniendo pesadillas, visiones, tormentos, que la van golpeando psicológicamente; muchos pueden suponer que se trata de una mente mucho más inteligente que la suya, otros, que es acción de su soberbia y su intenso deseo de que nadie le arrebate lo que es suyo.
Un gran thriller que combina ficción y realidad, ballet y sangre, pureza y erotismo, blanco y negro; una mezcla a la que añade (a veces de modo innecesaria) una insoportable crudeza visual y verbal a partir de la mitad de la cinta, instancia en la que ya estamos inmersos en el alma del personaje, y nos causa gran impresión. Experiencia sensorial que por momentos se va de las manos, pero no llega a perderse definitivamente. Es la obra más ambiciosa y menos satisfactoria del director, con muchísimas cuestiones que acabarán, de seguro, en múltiples interpretaciones del final (por ejemplo, ver a Natalie Portman ingresando con un vestido negro a maquillarse, y luego, verla con vestido blanco; y de éstas, miles) aunque hay algo que está claro: es inteligente, audaz y fuerte.
Desde lo personal, creo que tiene muchas conexiones con la famosísima historia del triángulo amoroso entre el Aniceto, la Francisca y la Lucía (estas dos, opuestas, representan la pureza y el erotismo, respectivamente), aunque se introduce en un laberinto que viaja hacia las profundidades de uno mismo. También tiene aires de "La profesora de Piano", por lo perverso, lo sensual, lo artístico y puntualmente por la relación madre-hija conflictiva y dura. Es compleja, muy difícil de digerir (si Lars von Trier hubiese dirigido esta película, me habría desmayado de sólo ver el baile inicial) pero desborda de arte, y desborda en serio (sin exageración de quien escribe), algo que no sucede muy seguido
.

Puntuación: 7/10 (Notable)

lunes, 20 de diciembre de 2010

Ganadores: premios Satellite 2010

Satellite Awards: Winners.

Muchos lectores y cercanos saben que la carrera al Oscar, según mi criterio, inician a mediados de Diciembre con dos enormes acontecimientos: uno, que responde nada más y nada menos a la lista de nominados a los Globos de Oro; otro, que responde a la lista de ganadores de los Premios Satellite 2010, que se entregaron en Los Ángeles hace muy pocas horas.

La lista de nominados y, en negrita, los ganadores, a continuación:

MEJOR PELÍCULA - DRAMA
- 127 Horas (127 Hours)
- Reino Animal (Animal Kingdom)
- Blue Valentine
- Get Low
- El Escritor Oculto (The Ghost Writer)
- El Origen (Inception)
- El Discurso del Rey (The King's Speech)
- Red Social (Social Network)
- Atracción Peligrosa (The Town)
- Winter's Bone

MEJOR PELÍCULA - COMEDIA o MUSICAL
- Cyrus
- Mi Familia (The Kids are all right)
- Made in Dagenham
- The other guys
- Please Give
- Red
- Scott Pilgrim

MEJOR ACTRIZ - DRAMA
- Nicole Kidman (Rabbit Hole)
- Jennifer Lawrence (Winter's bone)
- Helen Mirren (The tempest)
- Natalie Portman (Black Swan - El cisne Negro)
- Noomi Rapace (The girl with the Dragon Tattoo - Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres)
- Tilda Swinton (Io sono l'amore - Yo soy el amor)
- Naomi Watts (Fair Game)
- Michelle Williams (Blue Valentine)

MEJOR ACTOR - DRAMA
- Javier Bardem (Biutiful)
- Leonardo DiCaprio (Inception - El Origen)
- Michael Douglas (Solitary Man - El hombre solitario)
- Robert Duvall (Get Low)
- Jesse Eisenberg (Social Network - Red Social)
- Colin Firth (The king's speech - El Discurso del Rey)
- James Franco (127 Hours - 127 Horas)
- Ryan Gosling (Blue Valentine)

MEJOR ACTRIZ - COMEDIA o MUSICAL
- Annette Bening (The kids are all right - Mi Familia)
- Anne Hathaway (Love and other drugs)
- Sally Hawkins (Made in Dagenham)
- Catherine Keener (Please Give)
- Julianne Moore (The kids are all right- Mi Familia)
- Mary Louise Parker (Red)
- Marisa Tomei (Cyrus)

MEJOR ACTOR - COMEDIA o MUSICAL
- Steve Carell (Dinner for Schmucks - Cena de Tontos)
- Michael Cera (Scott Pilgrim)
- Romain Duris (L'arnacoeur - El rompecorazones)
- Andy García (City Island)
- Jake Gyllenhaal (Love and other drugs)
- John Malkovich (Red)
- John C. Reilly (Cyrus)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
- Amy Adams (The fighter)
- Marion Cotillard (Inception - El Origen)
- Anne-Marie Duff (Nowhere boy)
- Vanessa Redgrave (Letters to Juliet - Cartas para Julieta)
- Rosamund Pike (Barney's version)
- Kristin Scott Thomas (Nowhere boy)
- Jacki Weaver (Animal Kingdom - Reino Animal)
- Dianne West (Rabbit Hole)

MEJOR ACTOR DE REPARTO
- Christian Bale (The fighter)
- Pierce Brosnan (The ghost writer - El escritor oculto)
- Andrew Garfield (The social network - Red Social)
- Tommy Lee Jones (The company men)
- Bill Murray (Get Low)
- Sean Penn (Fair Game)
- Jeremy Renner (The town - Atracción peligrosa)
- Geoffrey Rush (The king's speech - El Discurso del Rey)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
- Biutiful (Mexico)
- Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres (The girl with the dragon tattoo) (Suecia)
- Io sono l'amore (Italia)
- Mother (Corea)
- Outside the law (Algeria)
- Soul Kitchen (Alemania)
- White material (Francia)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA (total o parcialmente)
- Alicia en el pais de las maravillas (Alice in wonderland)
- Gru, mi villano favorito (Despicable me)
- Cómo entrenar a tu dragón (How to train your dragon)
- El ilusionista (L'illusionniste)
- Los guardianes de Ga'Hoole (Legend of the guardians...)
- Toy Story 3

MEJOR DOCUMENTAL
- Behind the burly
- Client 9: the rise and fall of Eliot Spitzer
- Countdown to zero
- A film unfinished
- Inside job
- Joan Rivers
- Restrepo
- Sequestro
- The tillman story
- Waiting for Superman

MEJOR DIRECCIÓN
- Ben Affleck (The Town - Atracción Peligrosa)
- Darren Aronofsky (Black Swan - El Cisne Negro)
- Danny Boyle (127 Hours - 127 Horas)
- Lisa Cholodenko (The kids are all right - Mi Familia)
- David Fincher (The social network - Red Social)
- Tom Hooper (The king's speech - El discurso del rey)
- David Michod (Animal Kingdom - Reino Animal)
- Christopher Nolan (Inception - El Origen)
- Roman Polanski (The ghost writer - El escritor oculto)
- Debra Granik (Winter's bone)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
- Biutiful
- The eclipse
- Get Low
- El Origen (Inception)
- Mi Familia (The kids are all right)
- El discurso del rey (The king's speech)
- Toy Story 3

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
- 127 Horas (127 Hours)
- Fair Game
- El escritor oculto (The ghost writer)
- Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres (The girl with the dragon tattoo)

- Scott Pilgrim
- Red Social (Social Network)
- Atracción Peligrosa (The Town)
- Winter's bone

MEJOR BANDA SONORA
- 127 Horas (127 Hours)
- El Cisne Negro (Black Swan)
- The Eclipse
- Harry Potter 7
- El Origen (Inception)
- Agente Salt (Salt)
- Red Social (Social Network)
- Unstoppable

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
- "If I Ride" - 127 Horas (127 Hours)
- "Alice" - Alicia en el pais de las maravillas (Alice in Wonderland)
- "You haven't seen the last of me" - Burlesque
- "Country Strong" - Country Strong
- "What part of forever" - Eclipse (Saga "Crepúsculo")
- "Eclipse (all yours)" - Eclipse (Saga "Crepúsculo")

MEJOR FOTOGRAFÍA
- 127 Horas (127 Hours)
- Harry Potter 7
- Yo soy el amor (Io sono l'amore)
- El Origen (Inception)
- Agente Salt (Salt)
- Secretariat
- La Isla Siniestra (Shutter Island)
- Unstoppable

MEJORES EFECTOS VISUALES
- 127 Horas (127 Hours)
- Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)
- El Origen (Inception)
- Iron Man 2
- Los guardianes de Ga'Hoole (Legend of the guardians)
- Unstoppable

MEJOR EDICIÓN Y MEZCLA DE SONIDO
- 127 Horas (127 Hours)
- El Origen (Inception)
- Iron Man 2
- Nowhere boy
- Secretariat
- La isla siniestra (Shutter Island)
- Unstoppable

MEJOR EDICIÓN/MONTAJE
- El Origen (Inception)
- Please Give
- La Isla Siniestra (Shutter Island)
- Red Social (Social Network)
- Atracción Peligrosa (The Town)
- Unstoppable

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA Y DISEÑO DE PRODUCCIÓN
- Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)
- El Cisne Negro (Black Swan)
- Coco Chanel & Igor Stravinsky
- Yo soy el amor (Io sono l'amore)
- El Origen (Inception)
- Scott Pilgrim
- La Isla Siniestra (Shutter Island)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
- Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)
- El discurso del rey (The king's speech)
- Comer, rezar, amar (Eat, pray, love)
- El Cisne Negro (Black Swan)
- Robin Hood

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SÍNTESIS: Ganadores

* RED SOCIAL (3/7)
* EL ORIGEN (3/11)
* LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (2/3)
* SCOTT PILGRIM (2/4)
* ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS (2/5)
* EL DISCURSO DEL REY (2/6)
* UNSTOPPABLE (1/5)
* REINO ANIMAL (1/3)
* PLEASE GIVE (1/3)
* THE FIGHTER (1/2)
* LOVE AND OTHER DRUGS (1/2)
* TOY STORY 3 (1/1)
* RESTREPO (1/1)
* BURLESQUE (1/1)

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COMENTARIOS ADICIONALES.
* Red Social gana los tres premios más importantes. Es decir, está asegurada para los Oscar. El Origen tiene con quien luchar por los premios técnicos: Alicia en el país de las maravillas.
* Renace Scott Pilgrim en premios grandes (película, actor, guión); muere en premios técnicos. Los Oscar... ¿Le darán chances en las grandes quinternas?
* La extraordinaria Jacki Weaver se afianza como actriz de reparto. Hasta el momento, sería una justa ganadora de un Oscar. Christian Bale y Colin Firth, como actores secundarios/protagónicos (respect.)
* ¡Lisbeth Salander! Un premio inesperado y algo justo para Noomi Rapace.
* ¿Anne Hathaway desplaza a la dupla lésbica de Mi Familia?
* Unstoppable, 5 nominaciones, 1 premio. ¿Es de temer?
* El Discurso del Rey, con 2 importantes sobre 6, le hace sombra a la red social.
* Ausentes 127 horas y El Cisne Negro (Black Swan). 14 nominaciones tiradas a la basura -9 de la primera y 5 de la segunda-
* Desaparece La Isla Siniestra y empieza a desaparecer True Grit de la carrera.

Primicia ACÁ, en Una Locura de Película.
¡Saludos!

sábado, 18 de diciembre de 2010

Gru, mi villano favorito.

Película animada familiar, que cuenta con una nominación al Globo de Oro (y un par más a los premios Annie) y que narra la historia de Gru, un hombre de, aparentemente, cuarenta años, que se gana la vida a través de actos delictivos. El sujeto, que trabaja en conjunto con el Dr. Nefario, planea robar la Luna con un rayo que a través de una fuerza, permite agrupar los átomos a presión, produciendo la disminución del tamaño del objeto. Todo parece sencillo, pero tres obstáculos se le presentan en el camino: Vector, un supervillano que quiere robarle el rayo; su padre, que no le quiere otorgar dinero para llevar a cabo la acción; y un trío de huérfanas a las que debe cuidar como parte del plan. Una buena propuesta sobre la maldad, la paternidad y otras cuestiones. Recomendable.

Despicable me.


Trailer subtitulado al español.




Crítica.

Interesante propuesta para niños. "Mi villano favorito", es una de las películas "diferentes": un conjunto de historias que están de moda (vale aclarar) y que desafían el orden instaurado por el cine durante años previos, revirtiéndolo. No son pocas, a estas alturas, las películas que empiezan por detrás y acaban por delante; las que hacen que nos guste más un villano que un protagónico. Tampoco digo que estos años hayan supuesto el surgimiento de este estilo, más bien un resurgimiento masivo, una ola de nuevas historias que intentan combatir la falta de originalidad. Recuerdo "500 días con ella" a diario, que pone a prueba los códigos del cine romántico, y pese a narrar una ruptura, ha sido la película más romántica de su año. Y como ésa, cientos. Pero esta cinta animada (que más me recuerda a "La princesa y el sapo" que a una película de Pixar como "Los Increíbles") lleva esta "historia en reversa" bastante bien. Es inteligente, audaz, divertida y en muchos momentos profunda.
Steve Carell da su inconfundible voz a este villano protagónico. Con un acento medio europeo y con un corazón de piedra, es un ladrón que planea robar la Luna (sí, no está basada en hechos reales) y se encuentra enfrentado a otro villano con mayor destreza, juventud y dinero (se ve apoyado por su padre, quien administra el dinero de un oscuro banco que le ha prestado a Gru ayuda durante sus años de joven villano), un torpe llamado Vector que se convertirá en el villano de mayor peso (y rara vez al villano se le da tan buena personificación, ni siquiera a los de Pixar) y a quien tendrá que debilitar para poder conseguir lo que quiere. Luego, en el medio del plan, aparecerán tres niñas huérfanas a las que debe cuidar para poder alcanzar el satélite (no es tan así, pero no develaré ciertas vueltas de tuerca con las que estoy en profundo desacuerto).
A Gru le acompañan unos curiosos personajes: son unas criaturas pequeñas, algunas con un sólo ojo, otras con dos, amarillas, simpáticas, agrupadas de a cientos y que funcionan como obreros y asistentes de este villano. Son, a la vez, fanáticos de él, de sus invenciones, acciones y obras malvadas. Más allá de que no logro comprender la funcionalidad de tantos y tales personajes (más que en dos escenas: una de un chanchito y otra de una soga, pero que no dejan de ser innecesarios tantos), me han parecido bastante simpáticos, añadiendo a la historia algo de humor con sus extrañísimas voces.
Las tres niñas, por otra parte, intentan relacionarse de la mejor manera posible con el nuevo padre. Son diferentes, pero comparten el abandono de sus padres. Gru, ha tenido una infancia en la que, podemos decir, ha conocido a fondo el abandono (su madre no lo atendía, no jugaba, no reía, no soñaba con él) y de algún modo (es clarísimo) va a convertirse en alguien bueno. La película sigue, entonces, cómo un villano se convierte en una buena persona (cosa que sólo sucede en una película fantástica) y se convierte (como su Tagline lo indica) de un hombre malo (Bad) a un padre (Dad).
Indudablemente lo mejor de la película es Julie Andrews en el papel de la madre de Gru. Es un personaje completamente desaprovechado, y que gana la mayoría de las situaciones más graciosas de la película. Pero igualmente, la película maneja muy bien las sensaciones: pone en su lugar las escenas más conmovedoras, las más cómicas, y las combina de una buena forma, sin convertirlo en un producto convencional o demasiado pesado.
Este sujeto despreciable, ciertamente, acaba gustándonos, por lo que la película cumple su objetivo. El tema, y ésto no se los puedo asegurar con certeza, es si la película les gustará. Desde lo personal, puedo asegurarles que sí.
Puntuación: 6/10 (Buena)

Atracción peligrosa de Ben Affleck.

En la ciudad de Charlestown, y ésto es una realidad, es común la inseguridad y la delincuencia en las calles, a cualquier hora y en cualquier lugar. Ben Affleck protagoniza este policial con tintes románticos, como el líder de un grupo armado que asalta bancos u otras fuentes de reserva de dinero. Es el cerebro del grupo, el que planifica los golpes, el que suele salvarse cuando es perseguido. Sin embargo, tras tomar de rehén a una mujer, se acerca a ella para saber cuánto es lo que ella sabe (información que los puede dejar presos de inmediato) y acaba enamorándose. Es ahí donde deberá tomar algunas de las decisiones más importantes de su vida, enfrentándose a un nuevo ser, una nueva versión de sí mismo que ahora reflexiona no sólo sobre el bien del dinero, sino sobre el bien del amor. Recomendación en DVD, principalmente por el gran actor Jeremy Renner, por quien -adelanto- ya vale la pena ver "Atracción Peligrosa".

The town.



Trailer subtitulado al español.





Crítica.

Policial medianamente intenso. "Atracción peligrosa" es una película oscura, turbia y despiadada, tal como la ciudad de la que habla, ya, desde su título. Charlestown es el lugar del que nadie parece poder salir, en el que se entretejen las más grandes redes criminales; es donde se entrecruzan dos mundos para el personaje principal, eje de toda la película: el mundo laboral y el mundo personal.
Ben Affleck ha demostrado su habilidad como guionista la década pasada, con la fantástica historia "Good Will Hunting". De hecho, ha ganado un premio Oscar, el único de su carrera, demostrando así que es superior trabajando en los libretos que en sus papeles de héroe. El problema es que, en "Atracción peligrosa", su nueva película como director (tras "Desapareció una noche", protagonizada por su propio hermano), guionista y actor, se da a sí mismo el papel más heroico de su carrera, y ese es el gran conflicto que sufre la película: la falta de un protagonista.
Ésta es una historia que mezcla principalmente suspenso y romance. Son géneros que, dentro de la historia, están íntimamente ligados, ya que el romance frena o la delincuencia, y la delincuencia acelera el romance. Les da un buen lugar a ambas, aunque hace mayor peso en la vida sentimental, haciéndola más poética que una historia policial.
Si uno empieza a verla atentamente, puede notar rápidamente que la historia le es familiar. Esto no es nada novedoso, ya que el género sigue un código que no varía ni ha variado en mucho tiempo. Son ladrones, grandes, pero diferentes, que dan una serie de golpes y son buscados por la policía. Es, una vez más, el policial del gato y el ratón, con un policía y un ladrón (sí, este último es Ben Affleck); sin ir más lejos, días atrás he hablado sobre "Animal Kingdom", una película de acción que habla más o menos de lo mismo.
La relación amorosa se da en medio del robo, del vértigo. Una mujer ha sido tomada de rehén por esta banda, y para vigilarla, su líder decide contactarse a ella. Con su actitud de ganador (es el héroe, insisto) va a ganarse su corazón, a la medida que extrae información que lo puede dejar tras las rejas por el resto de su vida. La película tiene su mayor apoyo acá, y éso está muy bien: frente a escenas adrenalínicas bastante desvirtuadas (algunas, no voy a decir "el golpe de las hermanas", porque ése sí que vale la pena), el costado romántico es el más inteligente -probablemente lo que necesita "Inside Man", con Clive Owen y Denzel Washington para ser algo pasable- y en el que el guión más se destaca. Tiene algunos de los diálogos más originales del año y le da un condimento especial al producto final, que más allá de no ser exageradamente bueno, es interesante y entretenido.
Jeremy Renner, protagonista de "Vivir al límite" (ganadora de 6 Oscar, incluyendo a Mejor Película en Marzo del 2010), es dentro del elenco, lo único medianamente bueno (aunque admito que es algo más que bueno); es el músculo de las operaciones, el hombre físico, concreto, exacto, que nada tiene que perder. Ya ha perdido nueve años en la cárcel, y vuelve por todo. Es justo que la Sagrada Academia lo nomine este año, para abatir la ausencia de grandes figuras en el rubro de actores de reparto.
Con un elenco mediocre, una historia conocida y frágiles escenas de acción, la película se mantiene de pie. Ésto se debe claramente al peso que tienen sus cosas favorables: tiene un guión bueno -que es la base de todo, y que debe dejarle en claro a Affleck que es, en definitiva, lo que le sale bien-, una duración adecuada -que no le permite flaquear- y Renner -por quien indudablemente vale la pena ver este policial amoroso
.
Puntuación: 5/10 (Floja)

martes, 14 de diciembre de 2010

Rabbit hole.

Nicole Kidman y Aaron Eckhart protagonizan este duro drama sobre la pérdida. Esta familia pierde a un hijo en un accidente automovilístico e intenta, de la manera que sea, volver a la realidad y continuar la vida, desprendiéndose del pasado. Sin embargo, en medio de este intento de olvidarlo todo, comienzan a surgir nuevas conductas que hacen que los personajes busquen más allá de lo que ven. "Rabbit Hole", basada en una galardonada obra teatral, muestra el camino del sufrimiento a la satisfacción de cada personaje, a través de la madriguera que cada uno vaya eligiendo. Nominada al Globo de Oro la estupenda actriz Nicole Kidman, en un papel brillante. Película sencilla pero profunda, como todo lo que hace John Cameron Mitchell. Recomendable.

Rabbit Hole.



Trailer subtitulado al español.





Crítica.

Al principio de la película, vemos como una mujer está trabajando en su jardín. Ella le está dando a una pequeña planta, la posibilidad de vivir y crecer. De repente, un pie ajeno e inesperado acaba por quitarle, a la planta, esa posibilidad. Y los ojos de quien ha trabajado en ella, comienzan a transformarse. Debe dejarse en claro que no sólo la invade la conmoción de una planta destruída, de hecho, es mucho más serio. Ocho meses antes, ella y su esposo han perdido un hijo de cuatro años en un accidente, y ambos, de la manera que han creido conveniente, lograron estabilizarse. Esta historia (con una introducción bellísima), que ni siquiera llega a ser una única (es más bien un enfoque a cuatro personas que han sufrido pérdidas), propone una visión alternativa de la pérdida (o varias) para compensarla.
Acá es donde comenzamos a perseguir a una serie de personajes que han, de una manera u otra, perdido una parte de sí. Un matrimonio tras la pérdida de su hijo en un accidente, una mujer que ha perdido a su hijo, ya adulto, por sobredosis de drogas, una mujer que ha sido abandonada por su esposo y un joven que debe vivir con la culpa de haber matado a alguien, y además, sin la figura de su padre. Todos vuelcan su soledad en diferentes actividades, tratan de recompensar la pérdida con objetos, personas o sentimientos. Algunos creen conveniente ir a grupos de asistencia, otros crearlos, otros volcar la creatividad para ordenar su propia vida, otros simplemente hablar. Y así, "Rabbit hole" es una conexión íntima de historias muy fuertes.
"Rabbit hole", o madriguera, es el medio mediante el cual una persona, que ha sufrido una pérdida, intenta volver a crear (claro, de modo figurativo) aquello que ha perdido. Es adonde cada uno de estos personajes se introduce para tomar un rumbo de esperanza, de felicidad. Algunos, se vuelcan a la droga; otros, tratan de culpar a alguien de algo que la naturaleza ha hecho; otros buscan una versión alternativa de aquello que han perdido para reconstruirlo. Ésto queda claro en la novela gráfica que está escribiendo un joven, asesino del niño de cuatro años, a quien el personaje de Nicole Kidman (la madre desolada) contacta con buenas intenciones. Una serie de túneles apilados, una red de madrigueras que se expande por todo el mundo y que otorga una sustituta satisfacción.
John Cameron Mitchell es un director muy humano, muy místico. No necesita hablar de universos paralelos para demostrarlo (en "Shortbus", puede verse claramente la interacción de lo físico y lo espiritual, por ejemplo, en los apagones que dejan a oscuras aquella ciudad), aunque en este caso, lo cree conveniente. Esta película tiene ganas de hallarle explicación a todo, de decirlo todo, de dejar todo en claro. Es una película, en ese aspecto, insegura de sí misma (no es necesario, insisto, haber comprado un libro llamado "Universos paralelos", si basta con el trabajo gráfico hecho por el joven), aunque no por eso tiene grietas. Tiene algunos momentos naturales, que penetran la piel en busca del alma, y en algunos momentos la encuentra (como en la escena en que un hombre llora sobre su perro), pero no en todos.
Lo poco novedoso de esta historia está muy bien llevado, tan bien, que parece que en realidad lo sea. Sobre muchos de los buenos diálogos que conectan a los parientes (no voy a mencionar los diálogos del estilo a las películas de Sam Mendes, apuntados a la sociedad, a su comportamiento, sólo los resumiré con el concepto de "excelencia"), claramente se destaca el elenco. Tiene unos actores sensacionales, que reúne (entre otros) a Nicole Kidman, Aaron Eckhart y Sandra Oh (estos últimos dos, protagonistas de algunas de las escenas más increíblemente cómicas, y dañinas -en el buen sentido- de todo el largometraje). Muchas veces éste suele ser el as bajo la manga (como por ejemplo, en la sencillísima pero fantástica "Tu última oportunidad", con Dustin Hoffman y Emma Thompson) que utilizan muchos cineastas para lograr su efecto. Pero quiero dejar algo en claro: si existe, en el mundo del cine, una actriz a la que le caiga mejor el personaje de Becca (el que ha realizado Kidman) y que pueda llevarlo de manera superior, pues, esperaré tranquilo hasta que alguien me lo demuestre.
Puntuación: 7/10 (Notable)

Nominados a la 68ª entrega de los Golden Globes Awards

Anunciadas hace minutos nada más, acá está la lista de nominados en Cine, en las Catorce Categorías.

- Los Nominados son...


Mejor Película Drama
- El Cisne Negro
- Red Social
- El Origen
- The Fighter
- El Discurso del Rey


Mejor Actor en Drama
- Colin Firth (El Discurso del Rey)
- Jesse Eisenberg (Red Social)
- James Franco (127 Horas)
- Mark Wahlberg (The Fighter)
- Ryan Gosling (Blue Valentine)


Mejor Actriz en Drama
- Natalie Portman (El Cisne Negro)
- Nicole Kidman (Rabbit Hole)
- Jennifer Lawrence (Winter's Bone)
- Halle Berry (Frankie & Alice)
- Michelle Williams (Blue Valentine)

Mejor Película Comedia/Musical
- Red
- Alicia en el Pais de las Maravillas
- Burlesque
- El turista
- Mi Familia


Mejor Actor en Comedia/Musical
- Johnny Depp (El Turista)
- Johnny Depp (Alicia en el Pais de las Maravillas)
- Paul Giamatti (Barney's version)
- Kevin Spacey (Casino Jack)
- Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas)


Mejor Actriz en Comedia/Musical
- Anne Hathaway (Amor y otras drogas)
- Angelina Jolie (El Turista)
- Emma Stone (Easy A)
- Annette Bening (Mi Familia)
- Julianne Moore (Mi Familia)

Mejor Actor de Reparto
- Andrew Garfield (Red Social)
- Geoffrey Rush (El Discurso del Rey)
- Christian Bale (The Fighter)
- Michael Douglas (Wall Street II)
- Jeremy Renner (Atracción Peligrosa)


Mejor Actriz de Reparto
- Amy Adams (The Fighter)
- Melissa Leo (The Fighter)
- Mila Kunis (El Cisne Negro)
- Helena Bonham Carter (El Discurso del Rey)
- Jackie Weaver (Reino Animal)

Mejor Dirección
- Darren Aronofsky (El Cisne Negro)
- David Fincher (Red Social)
- Tom Hooper (El Discurso del Rey)
- David O. Russell (The Fighter)
- Christopher Nolan (El origen)


Mejor Guión
- Lisa Cholodenko (Mi Familia)
- Danny Boyle (127 Horas)
- Aaron Sorkin (Red Social)
- David Seiler (El Discurso del Rey)
- Christopher Nolan (El origen)

Mejor Película Extranjera
- Biutiful (Esp/Mex)
- In a Better Place (Din)
- I am love (Ita)
- The Concert (Fra)
- The Edge (Rus)


Mejor Película Animada
- Despicable Me
- L'illusionniste (El ilusionista)
- How to train your dragon (Cómo entrenar a tu dragón)
- Tangled (Enredados)
- Toy story 3

Mejor Banda Sonora
- El Discurso del Rey
- 127 Horas
- Red Social
- El Origen
- Alicia en el Pais de las Maravillas


Mejor Canción Original
- Bound to you (Burlesque)
- Coming home (Country Strong)
- I see the light (Enredados)
- There's a place for us (Las Crónicas de Narnia III)
- You haven't seen the last of me (Burlesque)



Lista de Nominados, ordenados según su cantidad de nominaciones.
Hallarán el nombre de la película, seguida de la cantidad de nominaciones entre paréntesis, y al lado, la valoración de Una Locura de Película (de haber sido vistas).


- El Discurso del Rey (7)
- The Fighter (6)
- Red Social (6) (9/10)
- El Cisne Negro (4)
- El Origen (4) (8/10)
- Mi Familia (4) (7/10)
- Burlesque (3)
- Alicia en el Pais de las Maravillas (3) (3/10)
- El Turista (3)
- 127 Horas (3)
- Blue Valentine (2)
- Amor y otras drogas (2)
- Enredados (2)
- Toy Story 3 (1) (6/10)
- Despicable me (1) (6/10)
- Cómo entrenar a tu dragón (1)
- El Ilusionista (1)
- Reino Animal (1) (6/10)
- Easy A (1)
- Barney's version (1)
- Casino Jack (1)
- Wall Street II (1) (5/10)
- Biutiful (1)
- I am Love (1)
- The Concert (1)
- The Edge (1)
- In a Better Place (1)
- Rabbit Hole (1) (6/10)
- Frankie & Alice (1)
- Winter's Bone (1) (7/10)
- Atracción Peligrosa (1) (5/10)
- Red (1)
- Las Crónicas de Narnia III (1)
- Country Strong (1)



Aciertos y Desaciertos en relación a la predicción publicada horas atrás...


ACIERTOS Y DESACIERTOS.

A- Verdadero o Falso.

1. El Cisne Negro será la más nominada junto a El Discurso del Rey.
FALSO. El Discurso del Rey fue la más nominada.

2. Red Social no obtendrá más de seis nominaciones.
VERDADERO. Obtuvo seis (Película, Dirección, Actor, Actor de Reparto, Guión, Banda Sonora)

3. El Origen se ve poco favorecida por falta de rubros técnicos. Probablemente obtenga las tres nominaciones más importantes (Película, Dirección, Guión) a las que podría añadirse Banda Sonora.
VERDADERO. Esas cuatro han sido sus nominaciones.

4- Winter's Bone puede lograr cinco nominaciones importantísimas.
FALSO. Ha obtenido apenas una, la de Jennifer Lawrence como Mejor Actriz.

5. True Grit probablemente acabe triste y solitaria con la nominación de Bridges.
FALSO. Ni éso, no ha sido el día Coen; Bridges no ha obtenido la nominación.

6. Mi Familia, por su parte, puede alcanzar cuatro nominaciones (doblete de actrices, película y guión)
VERDADERO. Esas cuatro han sido sus nominaciones.

7. The Fighter, tendrá que conformarse con doblete de actores de reparto.
FALSO. Han invertido los roles con Winter's Bone, una favorita, y ha tenido seis nominaciones (Película, Dirección, Actor, Actor de Reparto, doblete de Actrices de Reparto). Supongo que tiene buen elenco.

8. Todo un Parto puede alcanzar hasta tres nominaciones.
FALSO. No ha logrado ni una.

(3/8)


En LA SÍNTESIS...

- El Discurso del Rey con SEIS o SIETE (Medio acierto - SIETE)
- El Cisne Negro con SEIS o CINCO (Error - CUATRO)
- Red Social con CINCO (Error - SEIS)
- Winter's bone con CINCO o CUATRO (Error - UNA)
- Mi Familia con CUATRO (Acierto - CUATRO)
- El Origen con CUATRO o TRES (Acierto - CUATRO)
- Todo un Parto con DOS o TRES (Error - CERO)
- The Fighter con DOS (Error - SEIS)
- True Grit con UNA (Error - CERO)
- Rabbit Hole con UNA (Acierto - UNA)
- Atracción Peligrosa con UNA (Acierto - UNA)

(4.5/11)


En horas nada más, el análisis de cada una de las categorías, en detalle!

Algunas ligeras predicciones...

... para el anuncio de los nominados a la 68ª entrega de los Globo de Oro.

* El cisne negro será la que obtenga mayor cantidad de nominaciones (considerando Mejor Película, Actriz, Actriz de Reparto, Guión, Banda Sonora y quizá Dirección), junto al Discurso del Rey (que en el caso de obtener la nominación a Mejor Banda Sonora, acabaría con siete, sumándose ésta a las de Mejor Película, Dirección, Guión, Actor, Actor de Reparto, Actriz de Reparto)
* Red Social, obtendrá no más de seis nominaciones (considerando Mejor Película, Dirección, Actor, Guión, Banda Sonora y quizá Actor de reparto)
* El origen, se verá perjudicada por la falta de muchas categorías favorables; de cualquier manera, es probable que tenga las tres nominaciones más importantes (Mejor Película, Dirección, Guión, a las que tranquilamente se les podría añadir Mejor Banda Sonora)
* Winter's bone puede ser una sorpresa. Tiene la fuerza para lograr hasta cinco nominaciones (Película, Dirección, Guión, Actriz y Actor de Reparto)
* True Grit probablemente acabe triste y solitaria con la nominación de Bridges.
* Mi familia, por su parte, puede alcanzar cuatro nominaciones (doblete de actrices, película y guión)
* The fighter, tendrá que conformarse con el doblete de actores de reparto.
* Todo un Parto puede lograr las nominaciones de Mejor Película, Mejor Actor (Downey Jr) y quizá otra para su compañero de apellido difícil, lo que sería un total de tres nominaciones.

Síntesis.
- El Discurso del Rey con seis o siete (*)
- El Cisne Negro con seis o cinco.
- Red Social con cinco.
- Winter's bone con cinco o cuatro.
- Mi Familia con cuatro.
- El Origen con cuatro o tres.
- Todo un Parto con dos o tres.
- The fighter con dos.
- True grit con una (Jeff Bridges, actor en drama)
- Rabbit Hole con una (Nicole Kidman, actriz en drama)
- Atracción peligrosa con una (Jeremy Renner, actor de reparto)

Éstas son algunas generalidades para enfrentar, en horas nada más, la lista de nominados para los próximos Globos de Oro, que serán entregados el día Domingo 16 de Enero.
Cualquier comentario, bienvenido sea.

En horas, Una Locura de Película te trae el listado oficial y el análisis correspondiente.

(*) En la SÍNTESIS, cada una de las películas está acompañada de un número, que es el que Una Locura de Película cree que significará la cantidad de nominaciones que ésta reciba. En algunos casos, hay dos números (ej.: EL DISCURSO DEL REY - seis o siete); para éstos, a la hora de verificar aciertos y/o desaciertos, se considerará la primera opción (ej.: EL DISCURSO DEL REY - seis; WINTER'S BONE- cinco)

lunes, 13 de diciembre de 2010

Scott Pilgrim...

"Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños" es una mezcla de pequeñas películas, es una historia constituida estéticamente por miles de estilos, es una historia de ciencia ficción mezclada con romance, acción y humor. La película muestra a un joven muchacho enamorado profundamente de una mujer, Ramona, y cómo debe ganársela. El reto no es muy fácil: debe vencer a sus siete ex parejas, que poseen ciertas habilidades, destrezas y poderes especiales.
Con una estética de cómic, videojuego y trailer, esta película combina todas las ramas del entretenimiento creando una cinta única, aunque bastante exclusiva: no a todos los públicos les caerá de igual manera, pero dudo que alguien cuestione su realización. Es exquisita.

Scott Pilgrim vs. the world.



Trailer subtitulado al español.



Crítica.

"Scott Pilgrim..." es de esas películas como "Spun", que funcionan en el espectador como si tomase un par de alucinógenos. Le llevan a dimensiones superiores, a confundirlas; le llevan a creer cosas que jamás, en la vida real, han creído ni creerán, quizá. Es una película en constante movimiento, con vibración contínua; eso no impide que la película pueda decaer en algún momento, pero mantiene siempre un ritmo medianamente bueno, que atrae (y vale aclarar que no atrae a cualquier tipo de público, creo que principalmente puede ser amada por un público juvenil) y gusta.
Desde lo personal, y ésto tiene apenas que ver con mi valoración del producto, la película se me ha hecho insoportable. Los primeros cuarenta minutos son demasiado; es un forzoso rejunte de ideas que de golpe, no impactan en el espectador de la mejor manera. Toma mucho de la estética de un videojuego, y el proceso que convierte una historia original y normal en una historia Nintendo, es difícil de digerir. Particularmente, no he podido hacerlo aún, algo que se debe a varias cuestiones. Primero, que es una película técnicamente irreprochable, todo es ingenioso y logra un equilibrio (en lo alto) de la cantidad y la calidad. Segundo, porque tiene tantas dimensiones como puntos de análisis, referencias a nuestra vida de ocio y al mismo arte. Tercero, porque desde lo personal, me cuesta familiarizarme con este estilo Rock & Pop que evidentemente está de moda, y que se adhiere a otros estilos, generando algo único e incomparable. Cuarto, porque creo -más allá de que haya sido una gran novedad- innecesarias muchísimas herramientas usadas en la película, y las he rechazado.
Siempre recuerdo una de las reflexiones de "El gato y su sombrero mágico", una de las películas que ha mostrado a Dakota Fanning antes de ser actriz, en la que introducen una serie de objetos de dimensiones distintas en una pequeña máquina de hacer bocadillos de chocolate. Uno no cree que, de toda esa mezcla de materiales (que no son precisamente de cocina) pueda salir comida. Finalmente, la máquina se abre y hay doce bombones hechos. Luego la máquina explota, y demás, pero no viene al caso. La cuestión es que, de una mezcla que uno rechaza, acaba saliendo algo sorprendente y original. Ésto es "Scott Pilgrim...", una ensalada de elementos increíbles que acaba resultando interesante.
Ajeno a que, en lo personal, no volvería a enfrentarme a esta película jamás (porque no tengo interés en hacerlo, porque no he conectado emocionalmente con los personajes - a excepción de Anna Kendrick, la hermana del protagonista, el único ícono de realismo-, porque me ha parecido tonta, exagerada y larga), creo que hay cuestiones que están de más. La película tiene momentos que recuerdan muchas películas a lo largo de la historia (incluso hay escenas que parecen trailers), pero no me agradaron algunas de las referencias a David Lynch. Dos, para mencionar: un inicio que confunde la fantasía y la realidad, en el que el personaje atraviesa puertas y aparece en lugares extraños (como "Imperio"); un momento donde el personaje ingresa y egresa de escena, y recibe aplausos (como "Rabbits", del mismo director). Lo primero, tiene un aire a "La ciencia del sueño" de Michel Gondry (bueno, además, verán otro algún notorio punto en común con "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos", de Gondry); lo segundo, es forzar la gracia de "Rabbits" (generalmente, una parodia tiene mayor impacto que su original, y en este caso, no funciona de la mejor manera; es, en síntesis, algo de lo que la película ha podido prescindir tranquilamente).
Me basta decir que, para fanáticos del cine, ésta es una película imperdible. Puede ser, para quien escribe, larga, absurda y sobrecargada, pero técnicamente es impecable; particularmente, habría recortado "la segunda toma" del enfrentamiento final - un modo de forzar, también, la resolución de la historia, y en fin, sin acabar de la mejor manera. No es la mejor manera de crear algo original (una historia de amor diferente, puede verse en "500 días con ella" o en "La vida es un milagro"), pero es una versión alternativa. Start!
Puntuación: 7/10 (Notable)

viernes, 10 de diciembre de 2010

Reino animal.

"Reino animal" narra la historia de Josh, un joven de dieciocho años que tras la muerte de su madre a causa de una sobredosis de heroína, debe trasladarse a la casa de su abuela, quien convive con sus tres hijos. Pero la violencia parece instaurarse con mayor acentuación desde su llegada, y Josh comienza a verse incriminado en ciertos actos delictivos que llevan a cabo sus tíos como respuesta a la violencia que la Ley ha usado para matar a un amigo de la familia. Así, en una red de asesinatos y venganzas, Josh va tomando fuerza en un mundo agresivo, aprendiendo los códigos para sobrevivir. Producción australiana buena, fuerte y entretenida. Recomendable.

Animal Kingdom.


Trailer subtitulado al español.






Crítica.

Dentro del reino animal, hay cadenas y redes de seres que además de interactuar entre sí, accionan y reaccionan contra el medio a través de su fuerza (una fuerza dada por su necesidad, usualmente). También reaccionan contra seres de su misma especie, o de otras especies, y más allá de las condiciones de esta reacción, la fuerza de cada uno de los que se enfrentan acaba definiendo la batalla. De alguna manera, los más fuertes, son los que dominan el espacio.
Todavía no logro entender por qué el personaje de Guy Pearce introduce a un arbusto como ejemplo (aunque bien está que mencione a todas las pequeñas criaturas que de éste se aprovechan), llamándose la película "Reino animal"; lo que sí entiendo perfectamente es que la película se llama así.
Toda la película es un reino animal. Una familia de la misma especie cuyo lenguaje es la violencia, y a través de ésta, puede convertirse en algo expansivo o a veces estático. La violencia puede atravesar los muros de una casa en Melbourne, Australia, o puede permanecer dentro de ella. En otras ocasiones, la violencia atraviesa los muros de afuera para adentro. Pero a la larga, se entiende que la violencia es inevitable, pues es como quitarle al ser humano la facultad del habla. Es dejarle incomunicado, inmóvil. Y esta violencia es la que permite, de algún modo, manipular a las personas. "Animal Kingdom", película dirigida por David Michôd, imita (no, no lo imita, lo intenta imitar) el pulso acelerado de la fantástica "Gomorra" y toma, además, un famoso mecanismo de acción y reacción, donde la violencia se responde con violencia en mayor grado. Más allá de no poseer una trama novedosa, juega con lo clásico, como si la familia fuese una de los vistos gánsters americanos en innumerables producciones estadounidenses (sin querer, aunque queriendo, se me vino increíblemente a la mente "Un profeta", de Audiard). Una mujer muy particular, con cuatro hijos de vida turbia y un nieto que se siente incómodo en medio de este nuevo mundo, al que se debe trasladar tras la muerte de su madre. Sin embargo, está claro que para sobrevivir, hay que incorporarse a él, pero -como dice el personaje de Pearce-, si la juventud te da debilidad, debes asociarte con alguien que te de protección.
La violencia y la manipulación son dos denominadores comunes a lo largo de todo el relato. El miedo, oculto en rostros agrios y feroces, se suma a los mencionados. Todos tienen miedo, hasta los personajes más fríos, pero en ese mundo no pueden tenerlo. Hasta la abuela de la familia, que es quien más contiene sus lágrimas y su ira, tiene un quiebre en un momento de su vida en el que la violencia la ha superado, aunque deja en evidencia su astucia y su acostumbramiento. Si la juventud da debilidad, la vejez puede dar fortaleza (no es precisamente lo que los hermanos Coen, o mejor dicho, el autor del libro Cormac McCarthy han mostrado en "Sin lugar para los débiles", donde un hombre viejo no puede con la astucia ajena) y precisamente éso haga a la señora (que como actriz y como personaje, es un espectáculo) mucho más fuerte de lo que es.
Es una película que más allá de su inteligencia, de su compleja trama, de su mundo contaminado por la droga y la sangre, difícilmente pueda catalogarse como cinta de suspenso, pues no lo tiene. Éso hace falta continuamente. No todos los personajes, ni todas las pequeñas historias atrapan (no atrapa el vínculo amoroso que une a la señorita con Josh, el nieto de la familia), aunque un buen tiroteo cada veinte o veinticinco minutos permite que el aire no se condense demasiado. Por fortuna, un final sorprendente nos deja anonadados y pensando: sí, en el mundo hay violencia que no podemos manejar, y muchas veces responder es el modo más seguro, es el mecanismo de protección que nos hace claramente más fuertes.
Puntuación: 6/10 (Buena)

jueves, 9 de diciembre de 2010

Winter's bone

Aclamada cinta independiente que se perfila para la próxima entrega de los premios de la Academia. Película difícil de digerir, que se enfoca en la vida rural de una familia, con una madre que tiene problemas de salud que no le permiten hablar, con un padre fugitivo de la justicia dedicado a la preparación de drogas, una hija mayor de diecisiete años que debe hacerse cargo del resto de la familia y dos pequeños hermanos suyos, de doce y seis años, que no pueden manejarse por sí solos. En una lucha constante por la supervivencia, la propiedad en la que viven está en juego, y para no perderla deben (o mejor dicho, debe hacerlo la única persona capaz) encontrar a su padre, sea vivo o muerto. Una película que oscila entre la frialdad de lo material (en sí, el esquema de la película es complejo) y lo sentimental del vínculo -ésto último, lo menos trabajado-. Una película algo más que buena, con una performance femenina protagónica estupenda.







Crítica.


Absorbente y durísima película independiente de Debra Granik ("Down to the bone"). "Winter's bone" tiene en su título una especie de enigma que aún no logro descifrar. Su historia es tan inteligente como confusa, pero todo parece estar íntegramente relacionado con todo. Este drama policial (si se ve, no hay por qué explicar el "drama"; "policial", puesto que una mujer, por sus propios medios, se lanza a la investigación del paradero de su padre, del que depende su propio futuro) habla de invierno sin copos de nieve, aunque sí de una frialdad exquisita. Ni "Frozen River", con Melissa Leo, esa historia de una mujer que se introduce al traslado ilegal de personas por un poco de dinero para atravesar felizmente la navidad, transmite tanto frío como esta aclamada cinta.
El no poder descifrar el enigma del título, quizá se deba al desconcierto de ciertas perturbadoras imágenes (una, en medio del agua y con la presencia de una sierra eléctrica, que es escalofriante como pocas) y a la hipnosis a la que la misma historia somete al espectador. Es como una esponja que gana volumen y volumen hasta perder agua, se va hinchando hasta que se hace insostenible. La vida de la familia va viéndose inmersa, día a día, en una miseria aún mayor a la del día anterior; en la América Sureña, la olvidada (desde "Lo que el viento se llevó", 1939 -para mencionar una de las películas que mejor habla de una América Sureña olvidada-, y seguramente mucho antes, viene siéndolo), una mujer intenta tomar el cielo con sus manos por conseguirle a su familia mejores condiciones de vida.
Nada sabemos de este padre que se ha fugado, y que es prófugo de la justicia. Dedicado a la preparación de drogas, su paradero es desconocido, aunque un movimiento ha hecho que su presencia, viva o muerta, defina si su familia puede seguir viviendo en su casa o debe ser inmediatamente desalojada. Mucho menos sabemos sobre el lazo que la une a su hija mayor, aunque suponemos que es un vínculo frío como el hielo -de hecho, se sostiene prácticamente en toda la película-. Sólo sabemos con certeza que ha sido una pieza importantísima para la elaboración y distribución de drogas en otras comunidades, y como todos, acaban siendo buscados por la Ley.
Alrededor de la casa principal, hay otros hogares, donde conviven otras familias. Es una comunidad aldeana típica, pero vinculada por lazos de sangre, o de odios. Es por eso que, en medio de la investigación que la señorita realiza (con mucha convicción), ciertos personajes no ven bien que ella husmee tanto y tan profundo, al punto que recurrirán a la violencia para detenerle el paso. Este policial reúne, además de ciertas conductas injustificables, miradas peligrosas y sospechosas, donde nadie parece ser demasiado confiable, ni siquiera quien te da de cenar noche a noche.
El curso de la vida, el tiempo que no se detiene y las esperanzas de una mujer cerca de pasar a vivir en una carretera (recuerdo las esperanzas de Audrey Tautou en "Un largo domingo de noviazgo", de Jean Pierre Jeunet, quien cree ciegamente que su prometido está vivo, frente a todas las negativas), van construyendo una interesante propuesta, sostenida por el misterio y por momentos, por algunas imágenes desesperantes y terriblemente crudas, expuestas en la gran pantalla de manera sutil (verán, por ejemplo, a la protagonista con una bolsa colorida y alegre, en las escenas finales, aunque no precisamente pretende demostrar alegría). Además, vale la pena destacar a Jennifer Lawrence, que es -sin exagerar- un monstruo. Es una muchacha joven que reúne en un rostro venido abajo, la consistencia de Laura Linney y el encanto de Reneé Zellweger en "Cold Mountain", realizando una performance para el aplauso de pie. El resto del reparto realiza un buen soporte.
Tan sólo me resta decir que la duración es perfecta, aunque el último tercio es notoriamente más flojo que el resto de la cinta. Tiene tintes melancólicos que sobran en una película hermética y fría, tan bien estructurada que genera ganas de pensarla aún más.

Puntuación: 7/10 (Notable)

domingo, 17 de octubre de 2010

Une affaire d'amour, de Stéphane Brizé.

Mademoiselle Chambon, o "Une Affaire d'amour" (como llegó a la Argentina) narra la historia de un hombre, albañil casado y con un hijo, que descubre la posibilidad de darse a sí mismo una segunda oportunidad al conocer a la profesora de su hijo, una mujer sustituta que nunca puede asentarse. Las diferencias socioculturales los distancian, pero los sentimientos hacen que la distancia nunca signifique demasiado para ellos. Así, esta relación avanza, gracias a los gestos, las miradas, los pequeños actos. Sin demasiado diálogo, un satisfactorio drama romántico francés con una exquisita música de fondo. Recomendable.

Mademoiselle Chambon.


Trailer subtitulado al español.





Crítica.

Una película que consigue que un objeto tome tanto protagonismo como un actor, cualquiera que éste sea, merece la atención. Nadie nos garantiza su perfección, pero sí la novedad. Una historia de amor tan fría que atraviesa la pantalla desde lo auditivo, como ver una pantalla oscura y oír a lo lejos una agradable sinfonía. Técnicamente. "Une affaire d'amour" es un romance típico de amantes furtivos bajo la vigilia de un esposo o esposa engañada (se me ocurre una palabra chocante pero muy usada en el lenguaje cotidiano argentino), sin demasiado diálogo y (como toda película francesa) con elementos que sirven de puntos medios entre un personaje y otro, o entre un personaje y una idea u objeto abstracto. Además de ser una película romántica (igual que cualquier otra), no deja de lado ni una sola crítica social. Aprovecha absolutamente todas las situaciones habidas y por haber para dar un hachazo a la clase obrera desde su modo de vida y principalmente desde la educación.
Mademoiselle Chambon (éste es el título original en Francia) es el nombre de la amante, una nómade docente encargada de las suplencias. Ella es una mujer fina, delicada, inteligente, poco expresiva pero interesante. Es una mujer que sustituye a la mujer, nadie la ve ni la oye, es un fantasma que camina, errante, por las calles, las galerías, los pasillos. Uno de sus alumnos es hijo de Jean, un albañil intachable (recuerda directamente al personaje de Sergi López en la paupérrima "Partir" de Catherine Corsini) felizmente casado. Su cabeza y su corazón está puesto en su profesión, que será en casi todas las oportunidades el vínculo que logre ligar a los que serán amantes. Tan sólo bastan unas miradas, unas situaciones espontáneas, unos movimientos, para entenderlo todo. El amor va más allá de lo que se dice, es algo mucho más orgánico, más interno, más complejo. En medio de dos vidas planeadas, sus corazones remueven la tierra intentando cambiar los planes, intentando no ser sustitutos de nadie y alcanzar una felicidad como Dios manda.
Es curioso el inicio de la película. Sobre el verde pasto, un matrimonio aparentemente feliz intenta resolver las actividades de su hijo. El objeto directo que nadie recuerda es lo que el niño aprende de Mademoiselle Chambon (mujer culta y conocedora del idioma), y que sus padres intentan descubrir buscando en libros, enciclopedias, fuentes ajenas a su conocimiento. No alcanza a dar, la aguja, una vuelta al reloj y ya se plantea la primera gran diferencia sociocultural entre dos personajes cuyos destinos están, evidentemente, escritos. Luego, habrá otras miles con diferentes explicaciones.
La importancia de la música es clave. Ella esconde un talento: es una excelente violinista. No necesita ocultárselo a nadie ya que ella vive encerrada en su propio mundo. Al comenzar a tocar, los ojos van acumulando humedad y pequeñas lágrimas. La emoción no puede explicarse, es algo extraño que debilita cualquier tipo de fuerza. Otra melodía será protagonista de uno de los momentos más importantes de la película, casi al final, en una fiesta. En medio de unas notas, los ojos hablan (gritan) y narran todo, se descargan y expulsan todos sus secretos al vacío (es el punto más grave de la vida sustituta), el resto es sólo inercia. Ni hablar el final, con una música que acompaña la tensión y eleva la desesperación a una cuarta parte del final de "Cous cous", lo cual no está nada mal (no olvidemos que Cous Cous tiene uno de las más enervantes y grandiosas resoluciones de la historia del cine). Frente a algo conocido, predecible, obvio, la música como lenguaje en una historia de amor dominada por la mirada y el sentimiento, sobre dos cuerpos ajenos al alma que buscan amarse en la oscuridad, en conjunto, envuelven una película novedosa. La magia del descubrimiento del otro (como puede verse en la película "La cámara oscura" o "El encanto del erizo", donde "te miran como nunca antes te han mirado") es un proceso constante que deja algunas grietas en su soberbia composición (como por ejemplo, la innecesaria escena del arreglo de la ventana, donde inicialmente ella se asusta y luego se acostumbra al ruido -y que es además otro de los momentos donde los dos mundos opuestos chocan, impactan) pero que logran algo bueno: movilizar el alma, lo cual no es poco.
Puntuación: 6/10 (Buena)

Wall Street 2: money never sleeps.

Oliver Stone, director de conocidísimos largometrajes como "Las Torres Gemelas", "Nacido el 4 de Julio" y "Alexander", regresa con la secuela de su propio éxito "Wall Street", protagonizada por el ganador del Oscar Michael Douglas. En esta oportunidad, y en un contexto económico actual, se construye una historia de grandes y ambiciosos enfrentamientos, estafas, de modo paralelo a un ritmo de vida más íntimo. Muestra, además de negocios, la vida misma detrás de ellos. Esta tragicomedia no es tan mala como parece. Una opción interesante para un fin de semana y para extremos fanáticos de Stone. No es mi caso.

Wall Street 2: money never sleeps.



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Crítica.

Michael Douglas ha compuesto uno de los personajes más cínicos de los años ochenta. Su interpretación en "Wall Street", película que he podido ver minutos antes de ver su secuela, le ha permitido ganar un premio Oscar a finales de década. Un rol memorable que le ha ganado al paso del tiempo y que aún no sólo se recuerda, sino que se concibe como punto de referencia para la construcción de nuevos personajes con aspectos en común. El responsable es Oliver Stone, casualmente uno de los directores que menos me agradan (aunque aclaro, lo considero no menos que un gran profesional, al igual que a David Fincher) y director de "JFK" (además de ser la mejor película de 1991 es la mejor película de su filmografía - sin haber visto "Platoon"). Las ideas se le han acabado a este director, que revive a Gordon Gekko (el personaje de Douglas) y configura en base a personajes conocidos una nueva historia integrada al contexto internacional de hoy en día. El problema es que Gordon Gekko estaba más vivo que nunca en la cabeza de los espectadores, y el resultado no ha sido la resurrección inmediata de un villano, sino su fin. Todo lo que Stone ha logrado hace 23 años con quien se ha convertido en uno de las leyendas más importantes de los últimos tiempos, lo ha deshecho en (cuidado) una interesante propuesta, que es algo menos que una buena película, pero que indudablemente supera su categoría como cineasta.
Gordon Gekko finalmente sale de la cárcel. De este modo se abren las puertas de un nuevo juego de billetes, transacciones y estafas. Inicialmente ignoramos cuánto tiempo ha transcurrido, pero lo notamos algo más viejo. Bastante mayor. La devolución de sus objetos personales da un inicio que muestra frente a qué tipo de película estamos sentados: un teléfono móvil gigante que nos muestra cuán rápido ha avanzado la industria tecnológica, cómo un mundo capitalista ha caminado sin que Gekko de cuenta de ello, y así, nos hacemos a la idea de que "Wall Street: el dinero nunca duerme" es de esas películas que hacen abuso de objetos, que van a ser específicamente pensados (sí, cada uno de ellos) para que los responsables puedan considerarse inteligentes. En las dos horas que restan vamos afirmando con mayor certeza dicha hipótesis, cada vez más clara para nosotros.
Este hombre tiene una hija con la que no interactúa. La joven no es nada más ni nada menos que Carey Mulligan, la premiada muchacha de "Enseñanza de vida", que junto a Frank Langella, resumen los únicos logros en un elenco bastante irregular. Nada quiere ella de su padre, ni siquiera una mirada, ni dinero (lo más increíble de la película); sí quiere la paz y la tranquilidad, además de querer casarse con el hombre de su vida (Shia LaBeouf), un individuo prometedor que poco a poco va convirtiéndose más en la imagen de su suegro. El implacable Gekko, que pretende volver a relacionarse con su hija, traza un sencillo plan a través de su yerno, a quien conducirá hacia nuevos caminos a cambio de la restauración de su familia. Estos caminos están inmersos en la niebla de una crisis económica (cuya certeza se ignora) y todas las pequeñas crisis que se van generando a partir de la falsa difusión de información. Una de éstas hace que el personaje de Langella, protagonista absoluto de los primeros cuarenta minutos, tome una decisión que hará vibrar el suelo que pisa principalmente el yerno de Gekko. Sus deseos de venganza (estimulados por un enigmático ideólogo como Douglas) lo conectarán con un extraño personaje (encarnado por Josh Brolin, el nominado al Oscar por su gran personificación de Dan White en "Milk" de Gus Van Sant) a quien supone no sólo el responsable de una falsa alarma, sino también un discreto ladrón.
En un desfile de negocios, números, ideales, proyectos, conexiones, transacciones, operaciones, crisis, escándalos, suicidios, extorsiones, trueques, en medio de todo ésto se edifica una historia de cierto carácter humano a través del arrepentimiento de un hombre que busca volver al pasado. Mejor dicho, antes del pasado. Es acá donde Gekko se ve tan inexplicablemente ridículo, donde carece de todo el poder y la presencia perturbadora de su precuela, esas apariciones que de alguna manera han embobado a muchos fanáticos. Me pregunto si su salud tiene algo que ver.
"Wall Street: el dinero nunca duerme" es una mordaz tragicomedia del estilo Moore (para mencionar una, "Capitalismo: una historia de amor") sin el espíritu psicológico ni devastador de su ácido discurso. Constantemente realiza un balance entre la gracia y la crisis, sin trasladarse a los extremos: ni es demasiado drástica, ni demasiado fresca. Quien prefiera asociarla a un género determinado, es una comedia dramática con aires de grandeza, un gran potencial por momentos desaprovechado y sin lugar a dudas comercial. Por fortuna hay un par de actores a los que se los puede aplaudir hasta de pie, la historia tiene muchas ocurrencias inteligentes (menos el final) y no aburre. Por suerte.
Puntuación: 5/10 (Floja)

lunes, 11 de octubre de 2010

Lula, el hijo de Brasil.

Un biográfico político distinto, inusual, de pocas palabras e imágenes muy fuertes. Sin tanto discurso, la película nos muestra la vida de uno de los presidentes más importantes en la historia de sudamérica. Visualmente impactante y con una narración ágil e inteligente, "Lula: el hijo de Brasil" sigue el crecimiento físico e intelectual de quien será, años más tarde, presidente de Brasil, marcando un notable crecimiento en este lugar. Basada en la novela homónima, mezcla la vida social, política e íntima de una figura histórica, resumiéndola en unos breves (y cortos) 130 minutos de metraje que requieren, indudablemente, de una extensión que enriquezca su desarrollo, que se enfoque en lo que lo impulsa a la presidencia, más allá de la evidente perseverancia. Recomendable.

Lula, o filho do Brasil.


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Crítica.

"Lula: el hijo de Brasil" es un enorme acierto desde su título. Carga con, en tan sólo cinco palabras, la síntesis de un gran biográfico. Por un lado, ésta es la historia de Lula Da Silva, actual presidente de Brasil. Por el otro, el término "hijo" marca el costado más importante de Lula: sus orígenes y su infancia, su relación con sus padres y sus cualidades de hijo. Tal es así, que su vida como hijo es el aspecto más importante de la película, el más explorado. Por último, la aparición de la palabra "Brasil" en el título no es una sorpresa, aunque sí puede serlo su enorme protagonismo. Resumimos la película diciendo que, la primer mitad, es un gran trozo de historia del Brasil, mientras que la segunda mitad es un biográfico sobre la vida adulta (aunque no tan adulta) sobre Luis Ignacio, próximo presidente.
Es bastante extraño que un biográfico político tenga tan pocas palabras. Los silencios van dándole temperatura a una introducción desgarradora, que además de hablar del abandono, no deja de lado las condiciones sociales en las que se vive, ni los desérticos paisajes en los que viven miles y miles de personas. Luego, la misma historia, las mismas miradas, las mismas acciones, van adentrándonos en una especie de aventura en la que una madre y todos sus hijos intentan trasladarse a otro lugar de mayores oportunidades y menos pobreza. El resultado es obvio, la pobreza está, aunque claro que hay mayores oportunidades. Hay que aprovecharlas y esforzarse al máximo, por lo que la única salida es trabajar. Es acá donde (re)aparece la figura del padre. Se ha marchado sin palabras y ahora comenzamos a conocerle de verdad. Es un hombre rudo, estrechamente adherido a la idea de que el trabajo es la última salida. Puede generar polémica este personaje, ya que no es un ser humano dañino, sino que ha sido convertido (a través del sistema) en alguien muy agresivo. Y estación a estación, la familia Da Silva va trasladándose, intentando buscar un lugar mejor para vivir. Las alternativas se van agotando, Brasil sangra por la pobreza y Lula va creciendo. De la escuela al trabajo y de lado a lado logra introducirse en la política, como líder de un sindicato que reclama los derechos del trabajador y que intenta ser la resistencia de una violenta dictadura militar.
La historia narra la vida del político desde el año 1945 (su nacimiento en Pernambuco) hasta el año 1980, año en que fue excarcelado después de 31 días tras las rejas. Su infancia en medio de la pobreza, su conflictiva relación con su padre, su bella relación con su madre, su vínculo amoroso con Lourdes, su encuentro con la muerte y su reencuentro con la felicidad en el rostro de una bella muchacha a quien conoce a través de una anécdota en un taxi cualquiera. Todo su caminar marcado por su intensidad política y la atracción masiva (ver, por ejemplo, la escena del estadio) como el objeto que lo ha catapultado a un exitoso presente.
Hay dos aspectos fundamentales en los que la película falla. Por un lado, la película no habla bien de Lula: habla demasiado bien. Cuando tiene intenciones de juzgar algo (como es la escena en la que la gente lo culpa) se detiene y la opinión pasa a otro plano, se desvanece. En otros momentos, directamente la escena parece glorificar al personaje, lo cual (por supuesto) resulta excesivo. Por el otro, el biográfico tiene un final tajante. Necesita otros veinte minutos que desarrollen de manera fugaz sus maniobras políticas para conducir a las elecciones presidenciales del 2002 y al momento clave en el que asume la presidencia, el primero de enero del 2003. Como todo biográfico, o como la mayoría, la vida queda resumida en unas cuantas letras de historia.
De cualquier modo, pese a estas dos características negativas de la película, la película es un gran logro. No sólo se debe a la gran interpretación de todo el elenco, sino al manejo de un lenguaje humano, gestual, que provoca en ciertos momentos del largometraje muchas emociones que se van interrelacionando con el idioma político, como es claro en la escena del hospital donde Lourdes va a dar a luz, donde se mezcla el miedo de un padre y un esposo con la mirada corrosiva del sistema sanitario. Es, como he dicho, un enorme acierto desde su inicio. Toda una pequeña maravilla, si se quiere, sin merecer (tampoco) enormes alabanzas.
Puntuación: 6/10 (Buena)

domingo, 3 de octubre de 2010

Yuki y Nina.

"Yuki y Nina" es una película tristísima sobre la separación de dos pequeñas niñas de 9 años, que viven en algún rincón de la Francia actual. Maneja un lenguaje artístico a través de la fusión de lo real y lo mágico, ubicando en el medio una serie de paisajes que ya hacen que valga la pena verla en la gran pantalla. Las miradas hablan por sí solas y los diálogos dan el golpe final a situaciones angustiantes. Un drama de aventura, de crecimiento, sobre el mundo de la infancia, la inocencia, el miedo. Una compleja metáfora de la transición, del intento de felicidad, que seguramente logre arrancar alguna lágrima de algún ojo -de eso no cabe duda alguna-. Una obra de las que ya no se hacen con frecuencia, aunque se equivoque en darle voz poética a unas niñas que con la mirada hablan demasiado. Muy Recomendable.

Yuki y Nina.


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Crítica.

Una tierna y conmovedora historia de amor, amistad y maduración. Una versión medida de la fantástica "Donde viven los monstruos" de Jonze, donde la psicología infantil estaba ligada a la compleja vida de los adultos, con una amalgama de emociones tan inesperadas como mágicamente asombrosas. "Yuki y Nina" es un drama encubierto, una historia donde las emociones son sustitutas y todo pasa por adentro, golpea, invade. Tal es así que el espectador puede sentirse golpeado, invadido, es una historia que se percibe desde la debilidad, estado en que nos deja un primer tercio inicialmente frío y luego shockeante; y acaba hipnotizándonos con un esquema final tan confuso como lógico, y así, tan real como confuso.
Yuki es una niña de unos 9 años con una vida natural. Todo lo que uno puede imaginar que realiza una muchacha medianamente social (tampoco lo es en exceso), ella lo hace. Tiene una conexión humana muy fuerte con Nina, en quien vuelca sus preocupaciones, miedos, deseos. Ella tiene 9 años y pese a no tener una vida complicada, siente una incomodidad inexplicable. Los planes veraniegos las incluyen a ambas, juntas; incluyen la diversión, la alegría, la compañía. Sin embargo, la noticia de la separación de los padres de Yuki y su posterior traslado a Japón (de donde es oriunda su madre) acaba destruyendo estos preparativos. Rechazando la idea de verse separadas, ambas deciden jugar a ser adultas e intentar arreglar las cosas. Es por eso que van ideando cosas (cuya complicación va aumentando gradualmente) para retener a los padres o, mínimamente, permanecer unidas.
La fórmula que maneja la película es muy sencilla. Lo que no se llora, se piensa. Es por eso que maneja, por momentos, una atmósfera muy cálida (donde hay escenas muy emotivas, íntimas) y durante otros, una atmósfera más bien fría (son escenas que combinan ideas reales con fantasía, de las que derivan no sólo diferentes concepciones, sino además diferentes "finales") que hace al espectador reflexionar sobre más de una cuestión. Hay tres escenas que permiten desarrollar esta hipótesis de la mejor manera posible. Una de ellas es la carta que le envían a la madre de Yuki las dos niñas. La otra, es la separación de las niñas en medio del bosque. La otra, es, claramente, la llegada de Yuki a un cálido hogar (que por momentos, la confusión lo convierte en fantasmagórico -recordaba algunas tensiones que me había producido "El viaje de Chihiro") donde parece "ver" su futuro.
La primera mencionada es un claro ejemplo de las relaciones humanas en conflicto. Un incesante llanto y una débil sonrisa divide dos rostros sentados a una mesa. Es uno de los momentos más terriblemente trágicos y tiernos en todo el año. La segunda marca un punto de inflexión entre la fantasía y la realidad, una proyección futurista que marca la posible separación de ambas y el resultado de la misma. El bosque (que tiene entrada en Francia y salida en Japón, por lo que se intuye, es un panorama de la vida misma), es un laberinto de enormes árboles que no dejan ver qué hay más allá, que no nos dejan ver al otro, que nos confunden y nos aterran. Es nuestra propia historia, es la confusión que generan ciertas situaciones en la vida; el aprendizaje, la madurez, la metamorfosis. Es cómo se produce el cambio (puede notarse principalmente en Yuki), la necesidad humana de recorrer, de desplazarse, de conocer. Es el proceso que todo ser humano atraviesa para escapar a la realidad. Finalmente, la tercera, es una visión optimista (así como todo lo que sigue después) del futuro de Yuki. La idea de poder tener un mundo más allá de lo que conoce, de abrirse mental y socialmente, de descubrir (resultado de su aprendizaje entre tanto verde, la naturaleza sabia que enseña) y finalmente de madurar.
Es una película que maneja muchísimos sentimientos callados, con una fotografía bellísima (hay exceso de verde, como he mencionado) y un desenlace maravilloso y poético. Si el plano aéreo de un pueblito que crece sobre la visión de unas cuantas tumbas nos había dejado una esperanza en "Un día en familia", "Yuki y Nina" completa el ciclo dejándonos una historia encantadora, sensible y fértil.
Puntuación: 8/10 (Muy buena)