sábado, 30 de enero de 2010

Buenas costumbres: un retrato familiar con demasiado limón.

Easy Virtue


Inglaterra ya nos ha demostrado tener el mejor cine cómico a nivel mundial. No sólo por su capacidad, su espontaneidad y elegancia a la hora de hacernos reir, sino por no tener la constante recurrencia a la vulgaridad extrema y el uso masivo de palabras que en definitiva, por más uso que la sociedad les de, no corresponde ser mencionadas. ''Muerte en el funeral'', la película que en este 2.010 volverá a salir en los cines pero bajo la manga de los Estados Unidos, fue dirigida por Frank Oz hace cerca de tres años, y es una película que logró alcanzar un éxito increíble por mostrar una historia: -que hace reir hasta las lágrimas -que no tiene la necesidad de mostrar escenarios extravagantes, sólo una casa y un sencillo funeral inglés -que juega con el talento de actores muy freaks -que juega con los efectos de drogas alucinógenas mostrando el salvajismo humano cuando las píldoras dominan. Evidentemente, este tipo de propuestas en espacios reducidos y con la flameante bandera británica, son claramente un buen ejercicio para la risa.
''Easy Virtue'' es la última película del director y guionista australiano Stephan Elliott, un no-tan-popular cineasta que contribuye, aunque a veces no se reconozca, con una gracia muy particular (vista en la cinta australiana ''Frauds'', con Hugo Weaving) en entornos, a veces, más serios. Ésta, es una remake del largometraje de Alfred Hitchcock, aunque puede entenderse como una puesta en escena que prolonga y recorta un pasado sustancioso como el del personaje de Larita, la mujer americana. Es inevitable, cuando se la ve, pensar que se trata o de una obra de teatro, o de una película hecha para televisión. Tiene los tropezones típicos del humor inglés sin tanto costo ni esfuerzo. Incluso por momentos se reconoce mucho la estructura del guión, la dureza y la poca convicción que propone principalmente la pareja protagonista. Momentos donde diálogos son tan intelectualmente elevados que no se creen. Y en una película, muchas cosas resultan poco creíbles y -cuando se habla de una película 'sobre una familia y sus costumbres' demasiado estudiadas, pues rápidamente reconocemos que no hay familia que pueda llevarse naturalmente como se llevaban los Whittaker.
Aún así, hay altos y bajos muy notorios, básicamente porque tanto los altos como los bajos, lo son demasiado. Momentos donde hay desbordes de gracia y situaciones jocosas, o donde la película va siendo invadida por una nube de falsedad y estudio. La estructura que domina a todos los personajes, parecen mostrar el efecto que un escenario y un público en vivo pueden lograr en cada uno de unos actores.
La historia se desarrolla en una casa de campo británica. Una familia adinerada, compuesta por una mujer dominante (Kristin Scott Thomas, El Paciente Inglés), su esposo -un sometido bien interpretado por Colin Firth (Un hombre soltero)- y tres hijos. Dos mujeres y un joven que está de viaje. Pero en un momento, esta familia recibe un mensaje de su hijo. Él se ha casado con una norteamericana, lo cual desata la ira de una familia costumbrista y muy británica. Pero hay algo peor en medio de todo este caos. El hijo volverá por un tiempo indeterminado al hogar, acompañado por su pareja, interpretada por Jessica Biel. Una piloto automovilística, osada y posesiva que intenta conquistar a toda la familia, aunque este proceso, parece tener acentos en unos más que en otros. Se lleva genial con su suegro pero pésimo con su suegra. Y así, comienza la típica guerra campal entre suegra-nuera, que como en ''Monster-in-law'', tiene una mirada ácida del círculo familiar, con peleas que parecen no terminar y actitudes más gestuales que dialogales y precisas, mostrando así cuán lejos puede llegar la mujer de hoy, y por supuesto, la madre. Situaciones que van mostrando el respeto por las costumbres del pais, pero a su vez, como cuando de amor se trata, uno debe acostumbrarse (o resignarse, o pelear) a convivir con otras.
Así, esta guerra independentista tiene una duración de 75 minutos con entretenimiento (teatral) asegurado y una puesta en escena lujosa, una fotografía estupenda que da gusto (y sí, Inglaterra es un pais hermoso) y buena musicalización (acentuando la picardía y la satisfacción de personajes que hacen maldades para resistir). Una imagen vale más que mil palabras: Kristin Scott Thomas y Colin Firth se destacan en una película que parece estar referida a los actores ya ''veteranos'' (bueno, 50 años), dejando en evidencia a un deslucido Ben Barnes y a una pésima actriz como Jessica Biel, quien ni siquiera tiene atractivo facial ni la capacidad de hablar con el rostro. Una lástima que habiendo tantas actrices de su estilo, se haya escogido precisamente a un rostro tan estático e inexpresivo.
Para un fanático de las películas sobre familias disfuncionales (destaco ''Pequeña Miss Sunshine'' y ''Un cuento de Navidad'') como yo, esta es una gran oportunidad de reirse descontroladamente. Para lágrimas que quieren al fin brotar, pero de la risa, esta película propone en unos pocos metros cuadrados, todo lo que una comedia de humor negro debe tener. Aún así, la falta de naturalidad, de química entre los actores, la frialdad narrativa y la constante e irracional contestación del personaje de Biel opacan los logros que ejerce la historia y su trato audiovisual. Se agradece que exista la conquista de una pantalla hacia el público, que la historia (por mal actuada que esté) entretenga, de motivos para alegrarse, reirse y sorprenderse, más aún cuando el final oculta una chispa peculiar que cierra una película que consigue el equilibrio entre lo bueno y lo malo, para sugerirnos sin demasiadas vueltas esta sencilla pero amena propuesta.
Puntuación: 5/10 (Floja)

jueves, 28 de enero de 2010

Nine: fantasmas de un pasado (y un presente) tormentoso.

Nine: una vida de pasión.


SINOPSIS.

Inspirada en ''8 1/2'', de Federico Fellini, y basada en ''Nine'', la obra de Broadway presentada en el año 1.982, relata la falta de inspiración de Guido Contini (Day-Lewis) y el modo en que siete mujeres (una periodista americana, una bailarina exótica a quien le pagaba cuando joven, su confidente y vestuarista, su musa inspiradora, su difunta madre, su amante y su esposa) lo atormentan con sus presencias o simplemente a través de su memoria. Un musical dirigido por Rob Marshall, nominado a 5 Globos de Oro y gran perdedor (seguramente) en los próximos Oscar.

CRÍTICA.
Con una estética oscura que refiere al Chicago con el que Marshall triunfó hace 7 años, (aparente) virtuosismo escénico e interpretativo, canciones pegadizas y un dinamismo mitológico, ''Nine: una vida de pasión'', es (con muchas vueltas) una especie de ''8 1/2'', la obra maestra con la que Federico Fellini triunfó hace 46 años. Decir que este musical está ''basado en'', es similar a insultar sin mover un músculo. Como la inspiración no garantiza un buen producto, y como cuando de musicales contemporáneos se trata, el estilo se suele ir por las nubes, decir que ''Nine'' está ligeramente inspirada en ''8 1/2'', es el término que, sobre lo equívoco, más logra aproximarse a esta ambiciosa pero artificial adaptación.
El as bajo la manga de Marshall es el elenco. Ocho estrellas, seis de ellas ganadoras del premio de la Academia, dando su aporte a la estructural y reglamentaria bifurcación de lo que ha sido, y presumo no dejará de serlo, un clásico del cine. Para demostrar su concentración en la obra original, la historia intenta darles 5 minutos de fama a cada famoso, mezclados con algunos diálogos de perezosa acción y absurda reacción; todo, siguiendo una regla específica: va por orden, una mujer por una, olvidándose de cuán espontánea era ''8 1/2'' sin la necesidad de crear protocolos ni mucho menos, presiones. Marshall exhibió su miedo.
Se recreó a sí mismo como el Guido Contini, hizo de su falta de inspiración algo propiamente suyo, y demostró minuto a minuto, que no sabía qué hacer con la remake. Y lo que hizo, sobre la extraordinaria puesta en escena, no fue suficiente. Los actores se lucieron poco, estaban atorados en medio de la neblina; las canciones, eran pegadizas, pero no todas ''hablaban''. La historia, en sí, tomó más tono de comedia (una comedia vulgar, donde la sensualidad es -como se reflexiona- algo atractivo, actual y muchas veces innecesario) que de drama, cuando ''8 1/2'' habla de mayores riesgos (y en verdad, la depresión de Mastroianni se siente) y de una carga dramática mayor. Es, trasladándonos al 63, un viaje a Italia con una parada previa: algún prostíbulo europeo donde todas las mujeres dejan de sugerir y muestran, y hablan... Pese a que se logra que Roma arda de pasión (era imposible que no ardiese, sin Cruz orgullosa de sus cualidades como una mujer sensual (como una prostituta), arrancándole el lugar a Fergie, la Saraghina, que baila -no se acuesta- sensualmente (sugerentemente)... con un elenco de mujeres bellas...), no se logra que Guido -un personaje ícono para el cine de todas las épocas- pueda verse a sí mismo cuando se mira a un espejo.
Daniel Day-Lewis no sabía qué hacía. Hay gente que nace para el drama: para actuar, hacer sentir, reir, llorar. Day-Lewis no nació para cantar. Las dos interpretaciones que realiza, tanto en la segunda como en la décima canción coreografiada, se prolongan tan innecesariamente, y con una capacidad vocal tan pobre, que acaban siendo una tortura. Diez minutos, (gracias al cielo) distribuídos en dos momentos donde la película tiene algunos de sus incontables bajos. Además de no captar el alma de Guido Anselmi (el que Mastroianni interpretó en la obra original), tampoco capta el espíritu de Guido Contini: las canciones no lo beneficiaron y el modelo de su personaje tampoco. Kate Hudson y Fergie son dos enormes sorpresas dentro de un cartel glorioso, en el que parecen estar excluídas. Son dos actrices que aún no tienen Oscars, y que se lucen entre un ejército de estrellas, divas y enormes actrices que obedecen lo que la incapacidad del capitán ordena. Tan ciegas como un Marshall que amanece con la más reciente carga de su peor trabajo: un laberinto en el que se cruza la verdadera depresión de quien alguna vez, alcanzó dibujando una tierna historia de una niña geisha, un lugar en el cine que queremos ver. Cotillard y Cruz realizan muy buenas interpretaciones: ambas conmueven como mujeres a las que les falta amor. Amor de amante, y de esposo: simplemente amor. Dos mujeres desoladas por quien optó por la obsesión y dejó de amar al mundo que no le aportaba ideas. Kidman y Loren realizan satisfactorias actuaciones, aunque no sólo sus números musicales, sino también sus personajes se vieron desdibujados. Judi Dench, tiene un personaje más confidente, más serio y menos italiano (sí, francés... si esperaban que ardiese Roma, no, ardió Paris): el complemento de su personaje con la historia de su número musical es muy notorio, recreando así el verdadero espíritu del musical. En fin,dentro de la gran y ambiciosa promesa, no todo es tan bueno como parece.
La película tiene una lentitud que, particularmente, produce dos sensaciones: la extensión de la melancolía intentando atravesar la pantalla (de hecho, la melancolía se transformó en sinsabor) y el reflejo del espectador viendo a Contini, un hombre tan cansado como nosotros. En 108 minutos, los contenidos parecen estar dominados por el orden; no se disfrutan, se padecen. Todo es algo artificial, frío y bastante ochentoso (mínimamente). La cronología está fuera de serie, no se sigue la coherencia, ni tampoco se usa el sentido común para admitir el error. Por supuesto, se agradecen unas inteligentes ocurrencias del guión para probar que los realizadores no padecen ninguna clase de incapacidad a la hora de cumplir con su rol, ni carecen de inspiración. Para dejar en evidencia que sólo fueron ''sencillas'' distracciones.
Por fortuna, los musicales en los que predomina el negro me recuerdan a Cabaret, la insuperable obra maestra que dirigió Bob Fosse en el año 1.972. Ya digo, se destaca toda la elegante puesta en escena. Es visualmente perfecta (y sólo visualmente), una corriente energética que desatan la mezcla de color, combinándose con letras, voces ingeniosas y un diseño de vestuario preciso y complementario. Evidentemente, hay ojos muy grandes pero una cabeza algo pequeña. No divulguen que Nine es una adaptación (o inspiración) de Otto e mezzo; seguramente harán que el entusiasmo del espectador sea opacado por una cara triste y un gemido de lamento.
Aclaración: hay dos cosas que aún recuerdo de ''8 1/2'', ingeniosas estrategias narrativas que abarcan la niñez de Anselmi. Una de ellas es La Saraghina. Otra, es ASA NISI MASA. Nine, sólo hace mención de una. Me deja parcialmente satisfecho. Ahora bien: ¿Dónde está el Contini joven? Narración de su juventud tan fugaz, que sólo parece interesarse en EL ACTOR, o mejor dicho, en su vejez.

Puntuación: 4/10 (Regular)

miércoles, 27 de enero de 2010

El desinformante: basada en un chisme.

The informant !


Todas las películas de Steven Soderbergh tienen un enorme problema. La mayoría de ellas alcanza la excelencia, tiene una filmografía impecable. Aún así, desconozco si el problema es de todas las tramas con las que Soderbergh trabaja, o si es su incapacidad para entretener. Uno puede deducir, desde un costado independiente, que si el 95% de las películas del hombre aburren, probablemente Soderbergh necesite la célula del entretenimiento, y necesite trabajarla rápidamente (al menos, para no ser nosotros los perjudicados).
Esta cuestión es, al igual que ''Che'', ''Erin Brockovich'' y ''Traffic'' (no mencionaré las grandes estafas, porque siendo aburridas, son a su vez malas), lo que perjudica frecuentemente a muchas obras maestras. ''Avatar'', por ejemplo, sabe aprovechar dos horas y media sin aburrirnos (aunque no el guión), mientras que ''El desinformante'' desaprovecha 105 minutos, una duración bastante más breve. Quien la mira con simpatía y unas cuantas tazas de café, puede entenderla más que quien la ve cansado y desganado. Quizá, porque se trata de una de las películas más inteligentes, complejas y satíricas del año, donde -como toda película suya- nada es lo que parece.
Curiosamente, ''El desinformante: basada en un chisme'', está basada en una historia real. La traducción promueve la ironía. La película está basada en una historia verídica, escrita por Kurt Eichenwald; la adaptación estuvo a cargo de Scott Z. Burns (Bourne: el ultimátum) y realmente, sin haber leído la historia original y sin calificar la adaptación, el guión fue realmente fantástico. Tiene un humor negro, del que los hermanos Coen hicieron maravillas con ''Quémese después de leerse'': donde las ambiciones son capaces de superar las grandes inteligencias.
Matt Damon protagoniza esta comedia con tintes de dramatismo (por, al igual que ''Up in the air'', cuestiones socioeconómicas que involucran el mundo colectivo), llevando a cabo una interpretación creíble, que persigue la ironía incluso a grandes velocidades, donde pareciese que la película va tan rápido que el espectador tiene momentáneamente problemas para seguirla. Es él mismo, quien con diálogos esclarecedores y un dispositivo que conecta a oyentes de otra organización, logra mostrarnos claramente el panorama. Aún así, todo el diálogo está combinado con un monólogo en off donde el hombre realiza críticas culturales, políticas, sociales y políticas, básicamente. Ahí es donde intenta justificar sus acciones al espectador, para no hacer de sus actitudes, hechos probables u obvios. Y sí, todo se dirige a un final que acaba siendo, sobre todo lo demás, lo más irónico del caso.
Una de esas películas con exceso de nombres y una red de organizaciones que hacen honor a una realidad ya cultural: las mentiras, cuantas más vueltas tengan, más difíciles son de sostenerlas. A veces no hay intenciones de crear mentiras tan grandes, pero cuando el hecho causante lo es, muchas veces las mentiras deben cubrir todas las grietas. Ahí es donde todo y todos empiezan a ser sospechosos, cuando todos, o nadie, lo es. Una película que se encarga de mostrar, de la forma más racional, que nada es lo que parece. Y en este caso, la estructura de un encubrimiento de otro encubrimiento, la cadena sucesiva de fraudes va haciendo de los personajes, zorros astutos e inteligencia innecesaria. Como en ''Fantastic Mr. Fox'', donde el panorama es exactamente el mismo pero con animales, o en la misma ''Un profeta'' (las tres con elementos en común y siendo muy diferentes): hoy en día es fácil ganarle al sistema. Y pese a que se desarrolle en los años 90s, las internas no cambian demasiado.
Un hombre se asocia al FBI para cooperar con ellos ante diversas problemáticas surgidas en la empresa agrícola en la que trabaja. Pero comenzar con una mentira, puede significar una sucesión de hechos algo ridículos que van haciendo de la película un absurdo necesario. Damon ha hecho un año fantástico. Tanto en ésta como en ''Invictus'', ofrece dos performances increíbles. Sigue, en ambas, el tono sarcástico o dramático de la película, convirtiendo -principalmente en este caso- un drama en una comedia llena de picardía, engaños, y lo que se suele llamar con tono burlón, una, o unas mentiras piadosas. Sabe manejar las reacciones, darse el tono de embustero y dibujarse las dos caras; en la última media hora, demuestra que su personaje era más serio de lo que creíamos. Ocultaba otras intenciones, que superaban el ''reparar otras mentiras''. Por increíble que parezca, es imposible no sentir cariño por el personaje en la escena final. Más, cuando se destaca en su rostro una mirada llena de picardía y una enorme satisfacción por los logros obtenidos. El resto del reparto trabaja satisfactoriamente sin alcanzar niveles de excelencia. Algunos rostros están de más, básicamente el de la esposa, aunque en la fuente original, seguramente haya sido fuente de inspiración para el personaje. No en la película, desafortunadamente; sobra en cada escena en la que aparece.
El punto máximo de la película está dado por la musicalización. Una banda sonora original de Marvin Hamlisch, que se destaca sobre todo lo demás. Le da, como debe ser, forma a una enorme sátira de gran altura, que aunque esté marcada por la falta de dinamismo, es un mal necesario.
Puntuación: 7/10 (Notable)

martes, 26 de enero de 2010

Superzorro: espejismo animado.

Fantastic Mr. Fox


Para hacer una recreación exacta de la vida del ser humano en comunidad, no existió mejor idea que representarla a través de unos tiernos animales, que para la gente simbolizan ni más ni menos que la astucia. Efectivamente, tildar al ser humano como un zorro es la realidad más precisa que el cine ha dado en el año. Una ironía de casi una hora y media, de diversión asegurada, personajes memorables y una inteligencia para nada artificial.
Lo interesante de ''Fantastic Mr. Fox'', es que no hay mensajitos tiernos (típicos de Pixar); tiene un humor negro, más abrupto, sarcástico, al que añade el humor gráfico de una comunidad de zorros que viven pésimo, pero son zorros, y sus ambiciones no quieren verlos en esa clase de vida.
Wes Anderson es el director de horrores como ''Viaje a Darjeeling'' y ''Vida acuática''. Siempre mantuvo un perfil bajo, con un circuito de actores repetitivo (Bill Murray, Anjelica Huston, Owen Wilson, Luke Wilson...), del que afortunadamente ha logrado escapar. La odisea de trabajar con actores de gran talla (estamos hablando de consagrados ganadores del Oscar: George Clooney y Meryl Streep) y hacerlo sólo con sus voces, realmente ha resultado fructífera. No sólo por el hecho de que ambos logran transmitir mucho a través de los diálogos, sino también por el realismo que propone la historia misma, para permitirles a los mismos peludos personajes lucirse como debe ser. Tanto Streep como Clooney componen un matrimonio contemporáneo, actual, real, con acciones y reacciones leales a la vida misma. La única diferencia es la estética de ambos. Son peludos, animales y el hombre de la casa ha configurado una rutina de escape para cuando padeciese hambre: el robo.
Fox, el hombre de la casa, prometió en una trampa para zorros a su esposa -tras decirle ella que había quedado embarazada- jamás volver a robar. Sin embargo, años más tarde, él decide conseguir alimento de tres lugares diferentes, poniendo en riesgo la vida del resto de los animales y de los de su propia familia. A esto se le suma la disconformidad de un personaje tras la llegada de otro. El hijo de este matrimonio, debe aguantar la presencia de su primo, el atleta que por los problemas de salud de su padre, debe convivir con ellos por tiempo indeterminado.
George Clooney este año ha tenido suerte. Participó en películas que no eran precisamente comedias, pero las ocurrencias de la historia acabaron enfocándose en la ironía. Tanto en ''Amor sin escalas'', donde interpreta a un ser frío y despreciable dedicado a despedir gente de empresas en pleno proceso de reducción, como en ''Superzorro'', donde hábilmente consigue comida que no le corresponde, Clooney tiene la posibilidad de mostrar su costado más serio, y además irónico. Con ambas, puede trasladarse a través de los géneros, haciéndonos reir de ciertas situaciones en medio. Aunque se limite a dar su voz a un personaje, no lo hace nada mal. Se encarga de darle a Fox, el personaje, vida propia. Y eso se agradece.
La película difícilmente se considere como infantil. Tiene una madurez muy notoria, que no excluye a ningún público. Aún así, no creo que niños de 5, 6 años, puedan disfrutarla tanto como personas de más edad. Es una cinta animada, cómica, pero original e inteligente (Ahora entiendo por qué ganó el premio Satellite). Hace una referencia tan seria sobre la sociedad humana, está tan claramente dirigida hacia nosotros; una reflexión deliciosa.
Una película animada para adultos, con una animación diferente. Los personajes parecen ser tridimensionales (o será que aún retengo la obsesión de la gente azul saliéndose de la pantalla, o los globos que llevan una casa a Venezuela), tienen un realismo gracioso, que permite al espectador concentrarse en la historia y dejarse llevar por unos 80 minutos de entretenimiento hábil.
Un ejercicio de autocrítica simpático, contado como un cuento (con subtítulos que parecían, por momentos, mostrarnos cuán ridículos somos a veces cuando emprendemos proyectos descabellados sin considerar las consecuencias o los errores que pueda tener), con gran dinamismo, sentido y sin tanta sensibilidad. Eso es lo que a esta altura del partido, requiero del cine animado: una historia hecha con ganas de pensar y actuar. Sin tanta falsedad, ni tantas ganas de gustar; sin tantas intenciones de conquista. Sin tantas vueltas absurdas, sin momentos bajos carentes de emoción, sin esas típicas imágenes que no creen ni los mismos creadores.
La música de Alexandre Desplat se destaca entre todo el conjunto de aciertos técnicos. Ese hombre ha hecho maravillas, ya es hora de que premien el esfuerzo (y este año no está lejos de las chances). Añade el condimento pícaro, astuto y le da un estilo peculiar a la historia. Le va dando forma, como la musicalización debería hacer con mayor frecuencia (siendo, a veces, un adorno tan artificial que ni siquiera tiene relación con lo que relata -lo único que rescaté de ''María Antonietta''-).
Superzorro es una película animada seria, para conservar en una videoteca. Es sencilla, interesante; no es extraordinario pero sí un suficiente y coherente entretenimiento. Evidentemente, las ganas de hacer cine sin apuros y con buena vista (y buena imaginación), pueden traernos de vez en cuando -y por parte de este derrumbado género- una grata sorpresa.
Puntuación: 8/10 (Muy buena)

Un profeta: Jacques Audiard regresa.

Un prophète


Audiard nos tiene acostumbrados a las obras maestras. Por tal motivo, no hay por qué ponerse nerviosos ante un disgusto típicamente previsible, aquel que emerge involuntariamente en la mente del espectador cuando sabe que se enfrentará a una película carcelaria. Lo que deben saber, es que ''Un profeta'' no es una película carcelaria. Supera todos los límites y alcanza el valor del cine clasicista, que por haber muerto hace 30 años suele tener regresiones a la vida. Pero pequeñas, y muy poco frecuentes.
El cineasta francés detuvo nuestros corazones con ''El latido de mi corazón'', una película que aparte de mostrar la realidad del mundo que tanto le caracteriza, añade a la emoción el arte de un pianista que busca el escape inmediato, una salida entre todo el humo. Ya con ''Mira a los hombres caer'', nos demostraba hace 15 años que la fe en un debutante no es una ilusión. Al contrario, es el estímulo para sostener no una suerte, sino el talento.
Junto a Klapisch es mi director francés favorito. Curiosamente, ambos trabajaron con Romain Duris (uno de mis actores favoritos) y fueron sus mejores directores. Pero hay un sinfín de cosas detrás del brillo que le pueden sacar a un actor, o incluso a una trama. Jacques Audiard es a su vez el guionista de la película. La fuente de su creación no es ningún engaño. Es inteligencia pura. Es visión. No es imaginación: es sentido común.
La película gira en torno a un árabe que debe cumplir una condena de seis años en una prisión ubicada en Francia. Por buena conducta, toda condena puede ser reducida, y más aún cuando este hombre tiene algo especial. Algo que lo caracteriza. Quien piense en la palabra profeta, puede pensar -y correctamente- en el hombre con la capacidad de ver el porvenir. Pero hay toda una historia detrás de esta película, que es la que Audiard nos muestra a través de gestos independientes, unos de otros. Hay incontables referencias religiosas que ligan a la historia con el significado teológico de la palabra. Yendo a la religión islámica, la cual practicaba el protagonista de esta historia. Una de las cosas que caracteriza al Islam y que la une directamente al cristianismo, es el factor común (Jesús de Nazaret), tomado por el Islam como un profeta. Ahora bien, todas las etapas que pasa el personaje dentro de la cárcel. Aquellas subrayadas con un enorme y aparentemente exagerado subtítulo en medio de la pantalla, son los íconos que muestran al hombre como una suerte de Cristo, razón por la cual el personaje es muy joven, y aún no ha cumplido los 33 años. Incluso, esos 40 días y 40 noches de aislamiento en la celda de castigo, ese número tan usado por la religión (tan representativo), nos recuerda al aislamiento de Cristo, su predicación durante ese tiempo.
Por momentos, la cárcel parece ser un mundo de espacios reducidos. Un microcosmos donde hay diferentes culturas, diferentes ideologías, sociedades, y sobre todas las cosas, una limitación tan cruel como la de la vida misma. Evidentemente, contemplar este espacio como una sucesión de hechos maliciosos y a su vez, como cumbre de diferentes internas contra la ley, parece ser una ironía exquisita. El poder no puede controlar al pueblo. Y eso se ve.
Con poca frecuencia vemos una película que no nos delate nada de la vida del personaje. Siempre todos los convencionales guiones se toman la molestia. Sólo sabemos su nombre, no podemos confiar, ni querer, ni odiar al personaje. No sabemos qué hará, qué pensará. Nos dejamos llevar por el 'yo colectivo', para predecir (sin su capacidad) lo que su mente le hará hacer. Afortunadamente, todo el argumento tiene la solidez del drama social francés. No deja grietas, e incluso parece ser demasiado preciso. Demasiado puntual, descriptivo, terriblemente exacto.
Dentro de la cárcel, el personaje va interactuando con otros. Son personas que manejan el contrabando, el tráfico y los trueques desde dentro, y usan al hombre para trabajar a cambio de dinero. El personaje se va metiendo en líos, contra personas que lo quieren ver muerto por haber hecho cosas contra otras y a favor de otras. Trabaja directamente para la mafia corsa, y con ella descubre que puede tener desde dentro lo que quiere, a excepción de la libertad. En más de una oportunidad, predecir cosas le ayudan a salvarse de situaciones peligrosas. Y así, poco a poco, uno puede ver en el personaje una gran transformación. Física, espiritual. Diferentes sentimientos, acciones, reacciones, que lo van marcando como persona, y en este caso, como personaje.
Audiard regresa tras el éxito ''El latido...'', con su más grande película, indudablemente una obra maestra. Tratada sin tantos rodeos, con altísima claridad, sin el régimen convencionalista y con una presión hipnótica que esta extraordinaria película ejerce sobre nosotros. Por más que impongamos nuestra resistencia, ante una fuerza que parece ser demasiado para nosotros, es imposible no enamorarse de un largometraje tan increíble como este. Francia vuelve a hacer alarde, un año más, con una película que supera absolutamente todo pronóstico. El blanco y el negro son claves en esta especie de vaivén sangriento, fuerte, pero sobresaliente. Una mágica experiencia de violencia gráfica moderada y una violencia verbal en pensado exceso, donde la atmósfera habla por sí sola. Y acá, desde el primer minuto hasta el último, la oscuridad, los gritos, el miedo y la misma nieve; los pasos y las miradas, perseguidas por las ya reconocibles melodías de Alexandre Desplat, parecen añadir lo suficiente para generar, no sólo con el personaje, una contradicción reflexiva y analítica del cine cursivo. Esas películas que hablan de procesos, de antes y después. Y no es sorpresivo, ver a ''Un profeta'' como un proceso en el que nosotros mismos, como espectadores y personas, podemos pensar en un antes y un después.
Puntuación: 10/10 (Sobresaliente)

lunes, 18 de enero de 2010

Resultados de la entrega. LEER INTRODUCCIÓN ANTES DE LEER EL RESTO.

INTRODUCCIÓN: es mi deber recomendarle, aunque me haga caso o no, a quien no haya visto la entrega lo siguiente: probablemente repitan la ceremonia en estos días. Ha sido sumamente emocionante, y leer el resultado quizá le quite muchas sorpresas. Este año hubo muchas, y por eso realmente es preferible ver la entrega sin saber nada de lo sucedido.
Para quienes sí la hayan visto y hayan visto parte, o no me hagan caso, o no les guste pero quieran saber, o..., a continuación, los resultados y a su vez, la comparación con mis predicciones y favoritos.

RESULTADOS

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
AVATAR

FAVORITA: BASTARDOS SIN GLORIA. 0pts
PREDICCIÓN: EN TIERRA HOSTIL. 0pts

MEJOR ACTOR EN DRAMA
JEFF BRIDGES - CRAZY HEART

FAVORITA: MORGAN FREEMAN - INVICTUS. 0pts
PREDICCIÓN: JEFF BRIDGES - CRAZY HEART. 1pt

MEJOR ACTRIZ EN DRAMA
SANDRA BULLOCK - THE BLIND SIDE

FAVORITA: GABOUREY SIDIBE - PRECIOUS. 0pts
PREDICCIÓN: GABOUREY SIDIBE - PRECIOUS. 1pt

MEJOR PELÍCULA MUSICAL o COMEDIA
¿QUÉ PASÓ AYER?

FAVORITA: (500) DÍAS CON ELLA. 0pts
PREDICCIÓN: (500) DÍAS CON ELLA. 1pt

MEJOR ACTOR EN MUSICAL o COMEDIA
ROBERT DOWNEY JR. - SHERLOCK HOLMES

FAVORITO: MICHAEL STUHLBARG - UN HOMBRE SERIO. 0pts
PREDICCIÓN: MICHAEL STUHLBARG - UN HOMBRE SERIO. 1pt

MEJOR ACTRIZ EN MUSICAL o COMEDIA
MERYL STREEP - JULIE & JULIA

FAVORITO: MARION COTILLARD - NINE: UNA VIDA DE PASIÓN. 0pts
PREDICCIÓN: MERYL STREEP - JULIE & JULIA. 2pts

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
UP

FAVORITO: CORALINE / SUPERZORRO. 0pts
PREDICCIÓN: UP. 3 pts

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
LA CINTA BLANCA

FAVORITA: LA CINTA BLANCA. 1pt
PREDICCIÓN: LA CINTA BLANCA. 4pts

MEJOR ACTOR DE REPARTO
CHRISTOPH WALTZ - BASTARDOS SIN GLORIA

FAVORITO: CHRISTOPH WALTZ - BASTARDOS SIN GLORIA. 2pts
PREDICCIÓN: CHRISTOPH WALTZ - BASTARDOS SIN GLORIA. 5pts

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
MO'NIQUE

FAVORITO: MO'NIQUE - PRECIOUS. 3pts
PREDICCIÓN: MO'NIQUE - PRECIOUS. 6pts

MEJOR DIRECCIÓN
JAMES CAMERON - AVATAR

FAVORITO: KATHRYN BIGELOW - EN TIERRA HOSTIL / QUENTIN TARANTINO - BASTARDOS SIN GLORIA. 3pts
PREDICCIÓN: KATHRYN BIGELOW. 6pts

MEJOR GUIÓN
JASON REITMAN y SHELDON TURNER - AMOR SIN ESCALAS

FAVORITO: QUENTIN TARANTINO - BASTARDOS SIN GLORIA. 3pts
PREDICCIÓN: MARK BOAL - EN TIERRA HOSTIL. 6pts

MEJOR BANDA SONORA
MICHAEL GIACCHINO

FAVORITO: JAMES HORNER. 3pts
PREDICCIÓN: JAMES HORNER // MICHAEL GIACCHINO. 6,5pts

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
THE WEARY KIND - CRAZY HEART

FAVORITO: CINEMA ITALIANO (Nine) // WINTER (Hermanos). 3pts
PREDICCIÓN: CINEMA ITALIANO (Nine). 6,5pts

ACLARACIONES:

a) LAS PELÍCULAS ''UP'' Y ''CRAZY HEART'', SE LLEVARON 2 GLOBOS DE ORO SOBRE 2 NOMINACIONES. 100% TRIUNFO.
b) LA PELÍCULA ''AVATAR'', SE LLEVÓ 2 GLOBOS DE ORO SOBRE 4 NOMINACIONES. 50% TRIUNFO.
c) DE LAS 10 PELÍCULAS QUE ESTABAN NOMINADAS DISTRIBUTIVAMENTE COMO COMEDIAS O DRAMAS, 1 SOLO DRAMA Y 3 COMEDIAS SE FUERON A CASA CON LAS MANOS VACÍAS (0%). EN TIERRA HOSTIL (sí, la favorita), NINE (la segunda más nominada, previsiblemente perdedora), (500) DÍAS CON ELLA (otra favorita para los Oscar, principalmente) y ENAMORÁNDOME DE MI EX.
d) DE LAS 10 PELÍCULAS QUE ESTABAN NOMINADAS DISTRIBUTIVAMENTE COMO COMEDIAS O DRAMAS, 5 SE LLEVARON UN SÓLO GLOBO. FUERON ''BASTARDOS SIN GLORIA'' (ACTOR DE REPARTO) (25%), ''PRECIOSA'' (ACTRIZ DE REPARTO) (33%), ''AMOR SIN ESCALAS'' (GUIÓN) (16%), ''JULIE Y JULIA'' (MEJOR ACTRIZ EN COMEDIA) (50%) y ''¿QUÉ PASÓ AYER?'' (MEJOR COMEDIA O MUSICAL) (100%)
e) EL RUBRO A LA DIRECCIÓN, QUE ERA TAN OBVIO, LO GANÓ JAMES CAMERON, SOBRE KATHRYN BIGELOW. AVATAR SE LLEVÓ EL DE MEJOR PELÍCULA (DRAMA).
f) SE DICE QUE LOS GRANDES GANADORES SON LAS PELÍCULAS. DE LOS 4 RUBROS DE PELÍCULAS (DRAMAS/COMEDIAS-MUSICALES/ANIMACIONES/EXTRANJERAS), LOS GANADORES FUERON -RESPECTIVAMENTE-: AVATAR, QUÉ PASÓ AYER, UP Y LA CINTA BLANCA. ÉSTA ÚLTIMA, TRIUNFÓ MERITORIAMENTE.
g) ¿QUÉ PASÓ AYER? NO TENÍA OTRA NOMINACIÓN, APARTE DE ''MEJOR PELÍCULA COM/MUS''.
h) SANDRA BULLOCK Y ROBERT DOWNEY JR. FUERON LAS DOS GRANDE SORPRESAS. DOWNEY JR. LO GANÓ INJUSTAMENTE. DE BULLOCK NO PUEDO HABLAR PUES NO HE VISTO LA PELÍCULA.
i) DE 14 FAVORITOS, HE ACERTADO 3. POCO MÁS DEL 20%.
j) DE 14 PREDICCIONES, HE ACERTADO 6,5. MENOS DEL 50%.
k) INVICTUS, UN HOMBRE SOLTERO, UN HOMBRE SERIO, EL MENSAJERO, EL DESINFORMANTE, NINE Y HERMANOS, NO GANARON NADA.
l) ESTO DEJA A LOS OSCAR CON LAS PUERTAS ABIERTAS PARA ''CRAZY HEART'', AÚN MÁS ABIERTAS PARA ''UP'' Y DEJÁNDOLE UN LUGAR SORPRENDENTE A ''¿QUÉ PASÓ AYER?'', QUE QUIZÁ DEJE AFUERA A LA PREVIAMENTE FAVORITA (500) DÍAS CON ELLA. O NO.


Esta entrega ha sido (algo) injusta, pero sorprendente. A lo último, nadie sabía qué pasaría.

En fin, sólo están asegurados (y por poco) los premios de mejores actores de reparto (Waltz / Mo'Nique), película extranjera y animada (La cinta blanca / Up).
El resto, es altamente indefinido.

Para quienes no la hayan visto, no lean nada; véanla.
Fue emocionante.

Saludos!

domingo, 17 de enero de 2010

67ª Golden Globes Awards.

67ª entrega de los Golden Globes Awards.

En unas horas nada más, se realizará la sexagésima séptima entrega de los golden globe awards. Un análisis crítico que rara vez coincide con los Oscar, aunque de igual modo son denominados ''una antesala'' por, muchas veces (como el año pasado, por ejemplo) blanquear lo que puede llegar a suceder.

Este año, la distribución de premios en festivales deja un plano muy poco preciso, e incluso alcanza la emoción necesaria para dudar de quien sea.

A continuación, un análisis de todas las nominaciones, mis favoritas, las que creo que ganarán.
Todos los títulos (o en el caso de los actores, sus nombres) antecedidos por un + los he visto; los antecedidos por -, no.

En el caso de las bandas sonoras y las canciones, he escuchado todo. Aún así, marcaré con '+' o '-' las vistas o no.

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA

+ Amor sin escalas
+ Avatar
+ Bastardos sin gloria
+ En tierra hostil
+ Preciosa

FAVORITA: BASTARDOS SIN GLORIA
PREDICCIÓN: EN TIERRA HOSTIL
BREVE ANÁLISIS: los festivales y críticos han premiado tanto a ''En tierra hostil'' como a ''Amor sin escalas'', con algunos otros premios a ''Preciosa'', aunque se le reservan a esta los actorales. Creo que este año, la dirección coincidirá con la película. En tierra hostil ganará.

MEJOR ACTOR EN DRAMA

- Jeff Bridges - Crazy heart
+ George Clooney - Amor sin escalas
- Colin Firth - Un hombre soltero
+ Morgan Freeman - Invictus
+ Tobey Maguire - Hermanos

FAVORITO: MORGAN FREEMAN
PREDICCIÓN: JEFF BRIDGES
BREVE ANÁLISIS: a diferencia de otros años, este rubro no está muy claro. Puede ganar cualquiera y los cinco, presumo, tienen grandes condiciones. Creo que este puede ser el año de Bridges, más por las cualidades de su personaje (no vi la película), aunque Freeman hace un papel brillante.

MEJOR ACTRIZ EN DRAMA

+ Emily Blunt - La joven Victoria
- Sandra Bullock - The blind side
- Helen Mirren - La última estación
+ Carey Mulligan - Una educación
+ Gabourey Sidibe - Preciousa

FAVORITA: GABOUREY SIDIBE
PREDICCIÓN: GABOUREY SIDIBE
BREVE ANÁLISIS: la competencia se cerrará, espero, a Sidibe y Mulligan, dos actrices que interpretaron a mujeres de la misma edad en diferentes circunstancias. Mulligan puede alzarse con el BAFTA, pero Sidibe ha conquistado los rubros de la revelación y muchos como mejor actriz. Una actuación impecable que emociona como ninguna. Creo que Preciosa tiene los actorales hechos.

MEJOR PELÍCULA COMEDIA / MUSICAL

+ ¿Qué pasó ayer?
+ (500) días con ella
+ Enamorándome de mi ex
+ Julie & Julia
+ Nine: una vida de pasión

FAVORITA: (500) días con ella
PREDICCIÓN: (500) días con ella
BREVE ANÁLISIS: creo que Nine deberá conformarse con el premio a la mejor canción original. Bien merecido. La única película sobresaliente de las 5 es ''(500)...'', con un guión exquisito y muy cómica; sumamente inteligente. Puede suceder. Ojalá.

MEJOR ACTOR EN COMEDIA / MUSICAL

- Daniel Day-Lewis - Nine: una vida de pasión
+ Robert Downey Jr. - Sherlock Holmes
+ Michael Stuhlbarg - Un hombre serio
+ Joseph Gordon Lewitt - (500) días con ella
- Matt Damon - El desinformante

FAVORITO: Michael Stuhlbarg
PREDICCIÓN: Michael Stuhlbarg
BREVE ANÁLISIS: su actuación es la mejor que he visto en el año, junto a la de Waltz (Bastardos...). No sólo ganará el Globo de Oro, sino que es candidato al Oscar. Deslumbrante, sería un triunfo justo, que espero suceda. De cualquier modo, Damon sólo puede hacerle frente, ante su fracaso en el de reparto.

MEJOR ACTRIZ EN COMEDIA / MUSICAL
+ Sandra Bullock - La propuesta
- Marion Cotillard - Nine: una vida de pasión
+ Meryl Streep - Enamorándome de mi ex
+ Meryl Streep - Julie & Julia
+ Julia Roberts - Duplicidad

FAVORITO: Marion Cotillard
PREDICCIÓN: Meryl Streep (Julie & Julia)
BREVE ANÁLISIS: de las cuatro vistas, ninguna me gustó. Fue un año malo para las actuaciones cómicas. La mejor fue Streep por ''enamorándome..'' y aún así no llega a lo satisfactorio. En estos casos, apuesto por la calidad del actor o de la actriz en la película que no he visto. Cotillard puede ganarlo, y después de mostrar superioridad con ''La vie en rose'', es mi favorita. Momentáneamente.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

+ Coraline y la puerta secreta
- Superzorro
+ Lluvia de hamburguesas
+ La princesa y el sapo
+ Up

FAVORITO: Coraline y la puerta secreta // Superzorro
PREDICCIÓN: Up
BREVE ANÁLISIS: para el conformismo del público, Up no sólo ganará el premio, sino que también será una de las diez nominadas al Oscar. Superzorro tiene una estética mucho más realista y emocionante; Coraline, una trama y una oscuridad poco convencional que la hace diferente. Up, por más vueltas que de Pixar, es más de lo mismo. Pero ganará, seguro.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

- Baaria - ITALIA
+ La nana - CHILE
+ Los abrazos rotos - ESPAÑA
- Un profeta - FRANCIA
+ La cinta blanca - ALEMANIA

FAVORITO: La cinta blanca
PREDICCIÓN: La cinta blanca
BREVE ANÁLISIS: puede ser que en un ligero ataque le den el premio a ''Los abrazos..'', que pese a las duras críticas ha sido la sensación... Aún así, ''La cinta blanca'' tiene como ventaja estar bien distribuida y, aparte, tener estupendas críticas siendo la mejor película del año. No sólo debería seguir ganando premios. Debería estar y ganar el Oscar a MEJOR PELÍCULA. Pero...

MEJOR ACTOR DE REPARTO

+ Matt Damon - Invictus
+ Woody Harrelson - El mensajero
+ Stanley Tucci - Desde mi cielo
- Christopher Plummer - La última estación
+ Christoph Waltz - Bastardos sin gloria

FAVORITO: Christoph Waltz
PREDICCIÓN: Christoph Waltz
BREVE ANÁLISIS: y más que breve. Ganó todo (o casi, 95%). Es la actuación del año. Tan clara como el guasón y Anton Chigurh.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

+ Mo'Nique - Preciosa
- Julianne Moore - Un hombre soltero
+ Anna Kendrick - Amor sin escalas
+ Vera Farmiga - Amor sin escalas
- Penélope Cruz - Nine

FAVORITO: Mo'Nique
PREDICCIÓN: Mo'Nique
BREVE ANÁLISIS: por todos los estupendos papeles que ha hecho en su vida, lo merece ELLA. Aún así, tiene enfrente a Kendrick, que vale como lo que fue, el año pasado, Marisa Tomei para Penélope (una pesadilla que no la dejaría dormir, seguramente). Todo apunta a ellas dos, aunque creo que favorecerá a Preciosa.

MEJOR DIRECCIÓN

+ Kathryn Bigelow - En tierra hostil
+ James Cameron - Avatar
+ Clint Eastwood - Invictus
+ Jason Reitman - Amor sin escalas
+ Quentin Tarantino - Bastardos sin gloria

FAVORITO: Kathryn Bigelow // Quentin Tarantino
PREDICCIÓN: Kathryn Bigelow
BREVE ANÁLISIS: otra que arrasó con todo. Ya, será la primer ganadorA del Oscar en el rubro de dirección. Me gusta mucho el cine de Tarantino, y puede dar una sorpresa acá que, en los Oscar, no dará. Pero eso se los dejo a los votantes...

MEJOR GUIÓN

+ Neill Blomkamp / Terri Tatchell - Sector 9
+ Mark Boal - En tierra hostil
+ Nancy Meyers - Enamorándome de mi ex
+ Jason Reitman / Sheldon Turner - Amor sin escalas
+ Quentin Tarantino - Bastardos sin gloria

FAVORITO: Quentin Tarantino
PREDICCIÓN: Mark Boal
BREVE ANÁLISIS: esta es la noche de ''En tierra hostil''. Creo que el guión estará muy ajustado entre Reitman/Turner, Tarantino y Boal. Aún así, están ausentes los guionistas de (500) días con ella, otro de los mejores guiones del año. Creo que Boal saldrá favorecido, pero de no serlo, será para Tarantino.

MEJOR BANDA SONORA

+ Michael Giacchino - Up
- Marvin Hamlisch - El desinformante
+ James Horner - Avatar
- Abel Korzeniowski y Karen O. - Un hombre soltero
- Carter Burwell - Donde viven los monstruos

FAVORITO: James Horner
PREDICCIÓN: James Horner // Michael Giacchino
BREVE ANÁLISIS: la banda sonora de Horner es lo mejor, pero aún así ha sido lo más destacado de ''Up''. Creo que acabará favoreciendo a ''Avatar'', siendo éste el único premio que se llevará (como las grandes y prometedoras Expiación y Babel, en sus correspondientes entregas de Oscar).

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

+ I see you - Avatar
- The Weary Kind - Crazy Heart
- Cinema Italiano - Nine
- (I want to) come home - Todos están bien
+ Winter - Hermanos

FAVORITO: Cinema Italiano // Winter
PREDICCIÓN: Cinema Italiano
BREVE ANÁLISIS: el único premio de Nine será éste, al igual que Avatar con su BSO. Las grandes perdedoras se unen a ''Amor sin escalas'', cuya única aparente chance es la de Kendrick. Es fría, y eso gusta muchísimo. Prometedoras que se quedan en la nada.

¡Este es el año de ''En tierra hostil''!

Aún así, todo puede suceder.

A continuación, la lista de nominadas ordenadas por cantidad de nominaciones (y dentro de las mismas asociaciones, ordenadas alfabéticamente). Las subrayadas son enlaces que pueden llevarlos a leer las críticas correspondientes, para quien esté interesado.

LISTA DE NOMINADOS.
6- ''Amor sin escalas'' (9/10)
5- ''Nine: una vida de pasión'' (4/10)
4- ''Avatar'' (7/10)
4- ''Bastardos sin gloria'' (9/10)
3- ''En tierra hostil'' (8/10)
3- ''Enamorándome de mi ex'' (6/10)
3- ''Invictus'' (8/10)
3- ''Preciosa'' (8/10)
3- ''Un hombre soltero''
2- ''(500) días con ella'' (9/10)
2- ''Crazy heart''
2- ''El desinformante'' (7/10)
2- ''Hermanos'' (8/10)
2- ''Julie y Julia'' (6/10)
2- ''The last station''
2- ''Up'' (6/10)
1- ''¿Qué pasó ayer?'' (7/10)
1- ''Baaria''
1- ''Coraline y la puerta secreta'' (7/10)
1- ''Desde mi cielo'' (5/10)
1- ''Donde viven los monstruos''
1- ''Duplicidad'' (5/10)
1- ''El mensajero'' (8/10)
1- ''La cinta blanca'' (10/10)
1- ''La nana'' (6/10)
1- ''La princesa y el sapo'' (5/10)
1- ''La propuesta'' (3/10)
1- ''La reina Victoria'' (7/10)
1- ''Lluvia de hamburguesas'' (3/10)
1- ''Los abrazos rotos'' (8/10)
1- ''Sector 9'' (7/10)
1- ''Sherlock Holmes'' (5/10)
1- ''Superzorro'' (8/10)
1- ''Un sueño posible'' (5/10)
1- ''Todos están bien''
1- ''Un hombre serio'' (8/10)
1- ''Un profeta'' (10/10)
1- ''Una educación'' (9/10)

Espero que mis favoritas coincidan con los resultados.
Saludos!
(:

La princesa y el sapo: un giro de 180º. No. De 360º.

La princesa y el sapo.


Por más vueltas que quieran darles a las historias que ya han formado parte de la historia, por más vueltas que quieran darles a los más mínimos detalles, Disney no cambia más y sigue siendo exactamente lo mismo. Plagada de colores palaciegos, de magia (en este caso, opuesta: oscura) y de mensajes sentimentales, siguen atrayendo multitudes acompañadas por sus padres, abuelos, tíos, etc. Como de costumbre, quienes deben cargar con todo el peso emocional son los padres, quienes con esta película acaban llorando por: a- la emoción. b- la tristeza. c- la nostalgia de los viejos tiempos. Sea como sea, es una película, evidentemente, para todos los públicos, catalogadamente erróneamente de comedia, aunque bien sea un musical muy atractivo.
La princesa y el sapo reforma desesperadamente la famosa historia del beso que convierte al sapo en humano, la cual forma parte de la introducción de la historia. Para quienes no la conocían, acá está el porqué les tiene que gustar esta película. En un año donde la sátira ganó protagonismo (en todo sentido: desde las comedias vistas al revés -(500) días con ella- hasta las guerras vistas con más vueltas de tuerca -Bastardos sin gloria), ''La princesa y el sapo'' se queda atorada en su lugar, como una película regular, pero como un excitante musical.
Una niña vivió su infancia aprendiendo el valor de la responsabilidad y el trabajo. Su padre, un trabajador ya agotado, al igual que su madre. Al crecer, ella misma se presionó a sí misma con dos trabajos, para cumplir con el sueño de su fallecido padre: abrir un restaurante. Cuando logra juntar el dinero, tan sólo le queda un día para pagarlo (primera presión temporal, para añadir una falsa tensión), pero la aventura comienza cuando un sapo aparece en su ventana, y promete concederle un deseo (o algo así) a cambio de un beso que lo convierta no sólo en príncipe, sino en humano. Pero en lugar de convertirse él en humano, se convierte ella en rana (aún no me explico el porqué, pido ayuda para entender eso). Así, al perderse entre los pantanos, deben regresar a su casa en Nueva Orleans, revertir ese ''hechizo'' o esa ''maldición'' para volver a la realidad, él seguir con su vida, casarse con una rubia consentida y adinerada que pueda darle a Tiana, la protagonista, el dinero prometido para poder abrir su restaurante.
La segunda presión cronológica es la ya trillada ''antes de las 12'', usada incluso en ''Shrek'', otra de las grandes (y ésta, grande de verdad) sátiras sobre cuentos de hadas, pese a que no sea de mi agrado. Y poco a poco se va convirtiendo en una aventura en la que se cruzan otros personajes que ayudan (¿El burro de Shrek o el gato con botas?), un parlanchín, un miedoso, que van intentando sostener el entretenimiento relativo que una película de esta clase puede aportar.
La única vuelta que me gustó de la película, es una de las últimas escenas de la película, donde no todo es felicidad ni encanto, aunque sí está muy bien compuesta. Hay es donde la metáfora que engañó el corazón del personaje se torna mágica, añadiéndole -pese a la oscuridad de la situación- una dosis de color y emoción. Luego, va llegando el final mediante el uso de las propias reglas de Disney (ahí, es donde la película parece ser algo inteligente: va formando una red de frases famosas que engañan al espectador por varios momentos, haciendo de el final algo tramposo y sorprendente, que deja inconclusa la primer conversión). Igualmente, estas cosas por malas que sean, son valoradas por el riesgo que corren. Pese a todo, el guión cumple con su objetivo: darle un poco de entretenimiento e intentar cubrir todas las grietas que el mismo argumento va dejando.
Inspirada en la Nueva Orleans de los años 20s, en los inicios del jazz, ''La princesa y el sapo'' es un musical diferente. Predomina la raza negra, no hay príncipes rubios y de ojos celestes. Hay inteligencia y espontaneidad, y parece recurrir constantemente al pasado (no cualquier película tiene una precisión tan interesante como esta). La banda sonora es asombrosa, las canciones son pegadizas, movidas. Las letras son buenas (pese a que sigan sosteniendo los mensajes antimaterialistas), quizá alguna alcance algún premio más adelante.
Mi disgusto, además de la gran cantidad de errores de la trama y del momentáneo convencionalismo al que ciertas escenas conllevan, son los personajes. No hay nada que pueda ser memorable, ni figuras mágicas, ni encantadoras. Un villano ambicioso como cualquiera. Un parlanchín como cualquier otro. Una pareja que es tan sólo una pareja. Al principio, cuando Tiana es niña, parece que el cine animado encuentra su lugar en la sorpresa. La historia no venía nada mal. Parece que la aparición del príncipe ha sido, para Tiana como personaje, de una gran sorpresa y de un gran encantamiento. Aún así, Tiana demuestra que su ideología ha sido una gran mentira.
Al fin logra aprender la diferencia entre la necesidad y el deseo, cuando ya es adulta y puede decidir finalmente por sí misma. Pero ya los mensajes alentadores, desde el inicio de su adultez, comienzan a desbordarse. Ahí es donde el aburrimiento recién comienza.
Puntuación: 5/10 (Floja)

Un hombre serio: los Coen y su obra más... extraña.

Un hombre serio


Los hermanos Coen siempre tienen algo nuevo entre manos. Más ahora, que parece que el Oscar (o los Oscar) de Sin Lugar para los débiles aumentaron sus ganas de trabajar. En el 2007 arrasaron con la entrega, y el año pasado dirigieron una de las mejores películas del año, cuya inteligencia pareció no haber sido captada por la crítica. Con ''Leones por corderos'' pasó algo similar. Siendo una de las mejores cinco películas del 2007, quedó aislada de toda premiación. ''Quémese después de leerse'' ha sido un logro dentro de la comedia negra, donde el absurdo toma su mejor forma. Una comedia de verdad.
Pero quienes desde su primer película (Simplemente Sangre) nos suelen vender esas imágenes desérticas o de vastos terrenos, con una voz en off haciendo una especie de relato, nos han desconcertado con una introducción que está inteligentemente ligada al resto de la película, pese a tener una fuerza tan independiente que parece separarla del resto. ''Un hombre serio'', es una historia de judíos; un vecindario de judíos, una creencia judía, una educación judía, una casa judía, un hombre judío. Pero ya vale anticipar que el título no es lo que parece, y no es más ni menos que una ironía muy Coen: miserabiliza aún más las desventuras de este pobre hombre, quien en poco tiempo nota un enorme declive. Su esposa, lo deja por otro hombre. Su hija, sólo planea salir y salir, y salir. Su hijo, sólo pretende mirar una serie televisiva, está acercándose a su bar mitzvah (el equivalente a la primera comunión el la religión cristiana). Su hermano, está hundido en una depresión sin el apoyo necesario de su familia. Es un profesor cuya vida está tan vertical como lo que dicta: unas clases de física que nadie entiende, pues él mismo no logra entenderse, pero que se va acortando a través de la presión. Uno de sus alumnos pretende sobornarlo, y se va sintiendo perturbado. Así, debe lidiar con todo con la mayor sonrisa, sin dejar que aquello que le rodea, le gane a su debilidad.
Tras la muerte del amante de su esposa, ésta pretende que él (su esposo) se haga cargo. Atormentado por la realidad, por toda la sucesión de infortunios que repentinamente interceptan a todos los personajes, decide visitar a tres rabinos, quienes de alguna forma u otra parecen darle nombres de lugares y no un mapa para llegar a ellos. Pero ya las mismas sesiones son demasiado graciosas, para entender que este enorme drama pálido y formal, no es más que una comedia muy negra. Demasiado. Es la película más extraña que los Coen hayan hecho jamás, pues efectivamente parece extenderse tanto para nunca acabar. Así, es donde el final tiene su mejor efecto. Una continuidad de sucesos que pueden seguir afectando, o no (nada es preciso, y debo admitir que es uno de los mejores finales que he visto, tan bueno como el de ''Magnolia'', de P.T. Anderson) a este hombre en su camino para formalizarse e intentar hacer las cosas bien.
Acá se habla de una realidad sobrenatural. Se habla del karma, de la suerte, de la fe, de la religión, de la psicología, de la filosofía, de la lógica. Ya, suficientes contradicciones que parecen hacer de esta película un rebote que no se detiene. Ya en ''Sin lugar...'', se había hecho referencia a dos citas bíblicas. La temática religiosa pareció tener el éxito suficiente para, en ''Un hombre serio'', construir una película alrededor de la creencia, la fe, o mejor dicho, todo aquello que está detrás.
Una sátira que vuelve a tocar múltiples temáticas, y que las toca con la misma coherencia y el mismo atractivo que la que hace dos años ganó el Oscar. Una comedia estupenda, irónica y demasiado inteligente. Una relectura no le vendría mal a nadie, al menos, para atar cabos sueltos e intentar ver en ese inicio, las delgadas ligaduras con el resto de la historia.
Michael Stuhlbarg, a quien realmente no conocía, ha logrado seguir con su cara todas las pistas de una comedia dramática, gestualizando con gran sentido del humor, interpretando bien la cara de la desgracia. Es la mejor actuación del año, junto a la de Christoph Waltz. Carga con la extraordinaria dirección de los Coen, y un guión perfecto que parece permitirle el lucimiento a este hombre serio, o no tanto, pero que tiene sus motivos para hacer lo que hace. En ello, el karma es lo suficientemente valioso como para interferir en la mentalidad de uno, más cuando la mala suerte es, en algún momento de nuestras vidas, un factor molesto y misterioso, cuya reiteración nos vuelve un poco paranoicos y a veces puede enloquecernos. En su caso, las pesadillas están bien planteadas; sus más grandes miedos pero, sobre todas las cosas, el reflejo de su inmensa paranoia.
Es una de las mejores películas del año. Quizá no investigar más allá de ciertos límites (los límites de los sueños, de la muerte, de lo sobrenatural) no hace de los Coen un dúo cobarde, pero sí menos valiente de lo que suele ser. Nos deja con ganas de más, de mucho más, y no me refiero al final (sí, el final es perfecto), sino a diversos momentos de la película donde la emoción está tan alta que pudo haberse prolongado aún más. ¿Qué demuestra eso? Que es una película de bajo perfil, sin demasiadas ambiciones, con una trama exquisita, actuaciones muy sorprendentes (por ser un elenco poco conocido). Es, en conjunto, una de las mejores películas del año. ¿Qué se puede esperar de los guionistas más inteligentes de los últimos 25 años?
Puntuación: 8/10 (Muy buena)

Bastardos sin gloria: un festín bizarro.

Bastardos sin gloria.


Quentin Tarantino es, indiscutiblemente, un genio. Ya con ''Reservoir Dogs'' y con ''Pulp Fiction'', demostró su perfil. Películas repletas de ironías. De sangre y violencia extrema, pero sutil. De mujeres sensuales. Sus películas suponen, de antemano, una experiencia excitante para el espectador. Partiendo de esto, para todo lo que hace, reinventa historias de todos los estilos desde una teoría inquebrantable. La fórmula ha logrado funcionamiento tal, que difícilmente sea transformada. Todas sus películas son, desde cualquier disposición genérica, una comedia alocada. El guión, algo en lo que Tarantino se destaca, suele perseguir tres orígenes fundamentales: a- con las grandes contradicciones de Denys Arcand (habla de dos bandos, siempre; buenos, malos; hombres, mujeres...). b- extensísimos debates sobre lo-que-sea, sin generar aburrimiento, con una duración justa y una chispa asegurada. c- alguna palabra fuera de lugar, para lograr el remate.
Y sí, con el humor negro, las palabras, la duración de los diálogos y el absurdo de los mismos, el guión de ''Pulp Fiction'' se llevó el Oscar en el año 1.994. Esta película se ha convertido en un monumento, en un ejemplo que muchos directores han anhelado seguir. Algunos han logrado bastante, pero es imposible igualar la inteligencia y el modo en que Quentin logra conquistarnos con sus frases o divertidas referencias.
Tras el éxito de ''Kill Bill'', una historia de venganza con sangre a raudales, una femme fatale (Uma Thurman, quien había sobresalido en Pulp Fiction 9, 10 años atrás) y grandes ironías que en la primer parte se inclinan a la violencia gráfica, y en la segunda -principalmente- al diálogo de la escena entre La Novia y Bill, fracasó con una película bastante flojita. ''A prueba de muerte'', una de las dos partes de ''Grindhouse'' -un proyecto entre él y Robert Rodriguez (Planet Terror)-, estuvo protagonizada por Kurt Russell y cumplía con todas las leyes de su fórmula. Aún así, sólo falló en el guión, en uno de los orígenes: la duración no fue la justa, y se extendió innecesariamente para brindar un espectáculo bastante aburrido y reiterativo.
La disculpa llegó rápidamente. Este año, ''Bastardos sin gloria'' fue lo suficientemente extraordinaria como para recordarnos esa maravilla de hace nada más y nada menos que 15 años. Recoge todos los éxitos y los fracasos para la composición de su obra maestra, tal como Aldo Raine especifica en uno de sus actos más cruciales. Pero claro, es un milagro de la sátira. Es una de las películas más sorprendentes y menos previsibles de los últimos años. Está repleta de vueltas de tuerca, y aún así, conserva la inteligencia a diferencia de Avatar, donde todo es inventado para no recibir ninguna recriminación. Acá, sólo se cambian algunos detalles de la historia, pero no se cambian los personajes ni se inventa ''otra guerra''. Por eso mismo, las dos horas y media están plagadas de descubrimientos, con un atractivo mucho más interesante, con un formalismo tan estricto de la época que la hace, en sus momentos más intensos, de lo más bizarra.
Tiene un elenco de lujo, y un guión y una dirección tan perfecta, que hace quedar bien hasta el mismísimo Brad Pitt. Es, una suerte de protagonista, pues la película parece ser ''la venganza de los bastardos sin gloria''. Aún así, hay otras venganzas con otras intenciones que parecen confluir en, nada más y nada menos, una sala de cine. Sí, para representar el amor por el cine, la avant premiere de una película inventada, sobre uno de los héroes de la película: un asesino serial a quien no le importaba matar, pero que era adorado por su propio pais. Diane Kruger (una mujer cuyo origen oculta, y que pretende asociarse a los bastardos) y Mélanie Laurent (otra que oculta su orígen para no ser asesinada, la protagonista del primer capítulo), Daniel Brühl (el héroe asesino y protagonista de la película) y el múltiple ganador Christoph Waltz (el mejor villano del año), una enorme sorpresa.
La película, de casi 150 minutos de duración, gana todos los méritos por su formalismo ilustrado. Como un cuento de hadas, comienza con el clásico ''Once upon a time...'', un verde brillante del pasto, y está dividido en capítulos. Todo un cuento. Claramente, todo el verde está manchado de sangre, de secretos, de misterios, de protecciones, de inseguridades, de peligros. Es por mera estadística, que se deducen los verdaderos protagonistas. Waltz y Laurent, son los principales rivales en esta venganza: tanto los bastardos, como el mismísimo Hitler, quedan como personajes secundarios. Y así, es como se sigue la historia: venganzas cruzadas, capítulos que presentan personajes diferentes, nuevos, con un significado que va dando su aporte hacia un final asombroso.
Todas las ocurrencias de los personajes y las mismas situaciones, por momentos, parecen formar parte del absurdo que en ''Pulp Fiction'', mostraron en conjunto Samuel L. Jackson y John Travolta, en sus pequeños debates sobre el lenguaje, la comida y demás. En este caso, dentro de los Bastardos parecen gestarse este tipo de absurdos, dejándoles la seriedad de verdad a los verdaderos protagonistas de la película. Ahí es donde la sutileza es inalcanzable, básicamente el temor de los atrapados y la inescrupulosa acción de esta ''liga''. Una sanguinaria agrupación caza-nazis, que se ve debilitada en su enfrentamiento con el caza-judíos Hans Landa, el coronel que interpreta Waltz, ya que interrumpe la verdadera intención de enfrentarlo al coronel con Shosanna. Aún así, la necesidad de hacer que Pitt protagonice esta película, llevó a Tarantino a hacer un doble enfrentamiento, que extendió innecesariamente la idea. Hubiese sido más formal dejarlo así, para mi gusto, aunque de cualquier modo el final se hizo tan emocionante como de no haber sucedido. Se disfrutó de igual modo. Afortunadamente.
La fotografía se encarga de disfrazar toda esa maldad en el aire, de hacerla mágica, encantadora, o en un vuelco drástico, oscura y bastante cruda. Por otra parte, la musicalización (algo muy expresivo en las películas de Tarantino), es bastante clasicista. Las dos primeras y las dos últimas melodías son fantásticas (incluso se hace uso de varios instrumentos, salteados, no tan lineales), haciendo de la película algo más documental, mucho más serio de lo que evidentemente es. Un espectáculo coherente, exquisito, entretenido, y sobre todas las cosas, un espectáculo Tarantino.
Puntuación: 9/10 (Excelente)

viernes, 15 de enero de 2010

La cinta blanca: inocencia interrumpida.

La Cinta Blanca.


Viendo al año aproximarse con estrenos salteados a lo largo del 2.009, supuse que no existiría en el resto del mismo una película perfecta. La vi por primera vez y me gustó muchísimo, pero necesité de una relectura para asombrarme aún más y poder juzgarla como corresponde. ''La Cinta Blanca'', es por lejos, la película más inspiradora, conmovedora y estimulante para cineastas venideros y para un público que tiene sed de algo realmente bueno.
Hay una estructura narrativa diferente. Una voz en off que representa la vejez de uno de los tantos personajes inmersos en este rompecabezas trágico, se encarga de relatar sin tanto formalismo ni relación, diferentes hechos sueltos que alguna vez rompieron con la calma del lugar, una comunidad aldeana en Alemania. Este hombre no pretende regalarnos la verdad, ni su verdad, ni atragantarnos con hipótesis divagantes; despliega ante nosotros diferentes verdades, hechos, sucesos precisos que vivió u oyó, sin la necesidad de recurrir a la manipulación gratuita, ni mucho menos, a la venta de lo que efectivamente conviene. Son diferentes recuerdos que quedaron clavados en su memoria, que relata con la tranquilidad que tanto caracteriza a los 135 minutos del relato. Una película que es dinámica para el ojo del espectador, cuyo contenido se congela y progresa con la lentitud que merece una joya digna de análisis. Para verificar todos los datos trascendentales de sucesos causales, y así poder estimular a las neuronas para hacer sinapsis. Sólo Europa puede remitirnos a dicho milagro.
Haneke es el director de películas como ''La Pianista'', ''Juegos Divertidos'' y ''Caché (Escondido)'', ésta última la mejor de toda su carrera, y una de las mejores películas europeas en la historia del cine. Siempre, su ritmo tranquilo añade a ciertos momentos, una atmósfera de lo más siniestra, fructífera principalmente en las dos que rozaron el género del terror gráfico: la crudísima ''Juegos Divertidos'' y la perturbadora ''Caché''. Este drama sociopolítico alcanza el terror gráfico, para dar lecciones a muchos cineastas que recurren a asesinos seriales con caras deformadas y miradas oscuras. Hay escenas tan siniestras en ''La Cinta Blanca'', que causan gran impresión. Es una historia de crímenes, con varios rostros difuminados que años más tardes habrían de ser actores esenciales de los más grandes conflictos bélicos globales. Y sí, la falta de efectos sonoros y de litros de sangre parece extraerla del cine de terror. Como toda película de Haneke, pertenece a este género desde alguna perspectiva (siempre), y el muy satisfactorio resultado de esta formación se debe probablemente a la conjetura detrás del horror.
La historia es un mosaico (recuerdo Magnolia, situaciones trágicas bajo cada techo que a la larga, involucra a toda una comunidad con los hechos que controla la naturaleza misma -dentro de ella, la fe, el azar, la casualidad-; no hay cosas imposibles, todo puede suceder y muchas veces, estas cosas pueden afectarnos a todos), diferentes circunstancias rompen con la sostenida armonía de una región, a través de intentos de asesinato y el gratuito uso de la violencia contra el futuro de cualquier nación: los niños. Esto, sucede en Alemania en el año 1.913, un año antes de desatarse la primer guerra mundial. Este microcosmos puede traducirse como el ejercicio colectivo y mental de una nación, que más tarde debió resistir a una consecuencia que aniquiló a pueblos enteros. Como la película misma detalla, toda causa tiene una consecuencia; callar puede ser el peor infortunio para uno, para todos. Un espacio pequeño x que va mostrando el progresismo -o mejor dicho, el asentamiento- del terror, mientras quienes callan y no se van aproximando al previsible caos.
Cada plano es desconcertante: todo parece estar bien, hasta que el aire se va tornando denso, se va contaminando con la descomposición de las acciones humanas. La tranquilidad con la que Haneke lleva a esta película a lo largo de una carrera hacia la guerra, parece una estrategia típica de un demente, como los asesinos seriales que atraviesan cuerpos sin mover un músculo. Toda la seguidilla de las escenas es un electroshock constante, que no cesa ni un sólo minuto. Todo es terrible. La naturaleza de vengarse de lo justo, de lo correcto, es un vehemente ícono de realismo implacablemente oscuro, de una sanguinaria sucesión del caos hacia lo indeseable. Claramente, la oscuridad de cada transición no es más ni menos que un presagio de lo que más tarde sucederá. Los países grandes son difícilmente perjudicados por otros; los únicos que pueden destruirse son ellos mismos.
El título original de la película es ''Das Weisse Band: eine deutsche kindergeschichte'', que si los escasos conocimientos de alemán no me fallan, significa literalmente ''La cinta blanca'': una historia de niños alemanes''. La presencia de niños en esta película no sólo avala el uso de retratos crueles, sino también constituye de cierto modo la desconfianza del personaje principal, un maestro quien a su vez se encarga de relatarnos, años más tarde, lo sucedido. Son la clave para conformar no una verdad, sino una hipótesis cuya certeza recae en nuestra propia conjetura. Este personaje es quien juzga, habla y opina, frente a una realidad llena de disfraces, corriendo el riesgo de recibir por parte opuesta, una bofetada con una sencilla mirada. Además, es quien presencia prácticamente todas las situaciones que relata (no todas), y quien vive una relación amorosa con otra mujer, una típica película romántica imaginaria en medio de la guerra, que afortunadamente no fue. Haneke no se dio el lujo de aburrirme en ningún momento; mucho menos se hizo de algún espacio para salpicar de dulzura la pantalla: la invasión de una frialdad seria. Bastante seria.
Piensen en el encadenamiento social que ofrece las películas. Las personas de suma importancia tienen poder. Las personas de suma importancia educan a sus hijos. Entonces, los hijos son intocables. Tocarlos implica verse con las personas de suma importancia y con su poder. De esto se extrae no sólo el final de la película, el cual hace una enorme referencia a este encadenamiento, sino el mismo título: esa cinta blanca que tiene múltiples de significados, que va contra el pecado y santifica a los niños, o mejor dicho, a lo que sus padres quieren como hijos. La sociedad está altamente basada en una educación, pues funciona con dos partes y siendo, quizá, una como causa de lo que pueda hacer la otra. La cinta blanca, es uno de los tantos mecanismos de estos padres que en conjunto llevaron a formar dominios a lo largo del siglo en todo el mundo; aún así, si los padres no cambian, no hay cinta que pueda convertir a un niño en inocente, puro, santo.
Las pretensiones de la sociedad contemporánea en exceso llevan a influir en la mentalidad del futuro de nuestras naciones. Haneke tuvo piedad de nosotros. Se limitó a construir, con un ritmo narrativo soberbio, una fotografía alucinante, un guión sin grietas, una película perfecta sin exceso de realismo, pero afortunadamente sin ninguna carencia. 
Puntuación: 10/10 (Sobresaliente)

Sector 9: mirarse al espejo y asumir la responsabilidad de ser humanos. De eso se trata

Sector 9.


El inusual panorama, en este interesante e inspirador caso es el siguiente: los alienígenas a los que uno tanto teme viven sometidos por la raza humana. Son tratados como seres inferiores. Vienen a la tierra a pedir ayuda, pero definitivamente se topan con el lugar equivocado. Ellos tienen armas mediante las cuales pueden ganarse guerras y batallas. Nuestra raza (notificación: toda la película tiene gestos norteamericanos, causalmente) pretende obtener esas armas a cambio de comida de gato en lata. Increíblemente, nuestro planeta tiene la capacidad de inferiorizar a seres superiores, a los que la sociedad suele temer. Quienes han creado estas armas son engañados por ser ellos quienes se arrastran pidiendo ayuda.
El lugar: se desarrolla en sudáfrica, específicamente en un espacio sumamente pobre y perimetrado, pues viven en lo que podríamos llamar un campo de concentración (de hecho, sin dudas podemos denominarlo así), y aislados del resto del mundo por los contagios. Son, sutilmente, denominados gérmenes, virus, o como se quiera.También, y ya sin tanta sutileza, son llamados langostinos, término mediante el cual el terrícola se refiere a un extraterrestre. Pero casualmente, estos temidos u odiados langostinos, vienen a dar un mensaje: que lo que el ser humano vea de ellos, es simplemente su propio reflejo.
¿Qué mejor metáfora que esa? ¿Qué mejor fuente para mostrarle al pueblo lo que realmente vale? Fascinante.
Un miembro de una asociación internacional, va (como Borat hacia América) dentro del sector 9. Realiza una especie de programa periodístico, que se ve marcado por el contacto entre uno de los alienígenas y él. Así, este periodista sarcástico y por momentos chupamedias comienza a mutar, e intenta salvarse a costa de lo que sea. En este caso, como pasa a abarcar el cuadro de fugitivo, se esconde y acaba cayendo en su propia trampa, buscando ayuda en quienes literalmente sobrevivieron (apenas) de hambre por culpa de políticos, economistas, militares y trabajadores como ese. La temática, como un universo de maldades, gira alrededor del carácter social. Básicamente, la película trata de dar una catarata de golpes a los estados unidos de América, catalogándolos sutilmente de nazis. Los alienígenas, que claramente pueden significar seres humanos rebajados por sus condiciones, son esclavizados en una celda de aislamiento enorme, llena de chozas venidas abajo. La política, ya tiene forma de régimen estricto, como el alemán hace sesenta y cinco, setenta años. La película toma, desde su inicio, un formato testimonial que, de ser más humano y real, sería una película del estilo de Michael Moore, uno de los creadores de los más grandes documentales y testimoniales de la historia, realizando críticas políticas (Fahrenheit 9/11), económicas (Capitalismo: una historia de amor) y sociales (Sicko). Incluso, diríamos que la primer mitad de la película tiene, a modo de flashes, diferentes comentarios de reflexión frente a lo que ha sucedido, con calificativos que no develan demasiado el misterio, pero que sí remarcan los puntos esenciales. Esta construcción testimonial la hace una película de culto, más allá de hablar de alienígenas, algo poco serio y en definitiva, tomado como una diversión juvenil en el ámbito de la ciencia ficción. Éste es un drama al cual le corresponde una crítica enorme a la sociedad, en la que todo puede ser reemplazado hábilmente por todo: en la que los alienígenas, la oveja negra, los homosexuales de ''Milk'', los pobres de ''The Notebook'', los negros de las grandes novelas clásicas del romanticismo, simbolizan exactamente lo mismo.
El director de este docu-drama, es Neill Blomkamp, a su vez encargado del guión nominado al globo de oro. Es oriundo de Johannesburgo, el lugar en el que se desarrolla District 9, y lo curioso de este joven muchacho, es que debutó en el mundo de los largometrajes con una de las películas del año, que dejó conforme al mundo. Mostró talento, principalmente por llevar a cabo el gran método de la cámara en mano para causar impresión y generar mayor realismo; pese a ser considerada una película de ciencia ficción, que muchos verían creyendo que se trataría de algo similar a Transformers, es un producto de bajo presupuesto pero de una calidad enorme.
La necesidad de obtener ganancias llevó a los creadores a formar una película de aliens atractivos: básicamente para atraer a gente joven que pueda ir en grandes grupos y depositar unos cuantos billetes. Como estrategia, ha sido sumamente exitosa: Sector 9 ha sido vista, al menos en la ciudad de La Plata, y no decepciona. Es un gran divertimento, para convertirlo en fuente de reflexión: aún así, sigue molestándome la necesidad de crear un contexto tan sobrenatural (para mostrar algo, que erróneamente puede interpretarse como: la maldad es sobrenatural; los humanos estamos bien, somos buenos, etc.). Este tipo de películas pueden tratarse con temáticas más propias de la sociedad, con otras caras perjudicadas y sin aliens. Se entiende, igualmente, que no quisieran tener aún más polémicas (ya había demasiado con pegarle palos a quienes rigen nuestro planeta, no iban a hacer enojar a los perjudicados), pero también se piensa fríamente: si no se quiere hacer polémica, que se haga otra cosa.
Sector 9 aguarda su secuela, como el final deja efectivamente expuesto: Sector 10 (se presume). Las secuelas suelen ser malas, pero esta es original y única. Su dinámica es vertiginosa, ya que la acción está viva (y demasiado). No hay espacios para el aburrimiento, ni el cansancio, ni el desinterés. Quien se opone a la temática elige no verla, pero quien la ve puede ligarse a lo que ve rápidamente. Es un film para entretenerse y para aprender a mirarse al espejo con seriedad y sin tanta subjetividad. Parece que era necesario una película de altísima crudeza psíquica-física, así mostrar al pueblo por qué Estados Unidos manda...
Puntuación: 7/10 (Notable)

Sherlock Holmes: el maestro del aparente encanto.

Sherlock Holmes


Guy Ritchie, es un director que se ha convertido en uno de los grandes comandantes de la acción contemporánea, relacionada con la Mafia, las drogas, crímenes casuales y, de vez en cuando, la aparición de algún cuerpo escultural, palabras fuertes y escenas subidas de tono. No es santo de mi devoción, pero su cine es respetable. Con ''Snatch: cerdos y diamantes'', logró venderme una historia que de ser dirigida por otro, quizá no me habría gustado. Aún así, fue de mi agrado, alcanzando el nivel satisfactorio. Más tarde dirigió ''Revolver'', una película con uno de los actores más populares dentro del estilo. Jason Statham, quien transporta cargamentos a veces humanos, y muchas veces consume drogas en un baño o necesita estimular las hormonas de su cuerpo, en este caso es la figurita clave para un Ritchie que comenzó a caer. Con ''Rock'n'rolla'', una historia de sexo, drogas y rock'n'roll, sin más ni menos, hizo una historia muy propia, ya que materializa los deseos de reunir las temáticas de sus películas, creando así una supuesta enorme fuente de su estilo. Desafortunadamente fracasó.
''Sherlock Holmes'', viene a ser una disculpa al público. Una película que apenas alcanza a ser buena, pero que se sale de su tan popular estilo. Las escenas de acción están, pero la historia parece suceder muchos años antes, con personajes famosos (Sherlock Holmes y Watson, su ayudante, personajes creados por Arthur Conan Doyle), sin drogas, sexo y con humor superior al que mostró con un aliento vulgar en las previamente mencionadas.
Asegurado entretenimiento, improvisada diversión. Una gran caricatura, atractiva, juvenil, pero aparentemente sobrevalorada. Una película de aventuras que, en definitiva, está hecha pura y exclusivamente para los fanáticos del estilo y de los personajes. Como cualquier caricatura, los personajes están muy desdibujados. A excepción de Robert Downey Jr., quien se destaca infinitamente en la película e incluso es uno de las grandes actuaciones del año, el resto del elenco (Strong, McAdams, Law) no es malo, es un desastre. La desorganización de unos personajes tan poco profundos, aparentan ser el mayor miedo de los guionistas: romper con el hechizo literario. La idea mágica, o no tan mágica, es dejarlos secundarios y arriesgarse a ganar o perder todo con el principal, un Sherlock Holmes que afortunadamente le ha aportado grandes beneficios.
No sólo los actores están mal dirigidos, sino que los personajes en la película parecen verse incómodos. Todo parece estar de más, y apuesto a que esas no eran las intenciones de Ritchie, un hombre que sabe aprovechar su elenco al máximo, por más malo que sea.
Son dos horas de adrenalínica acción, con un dinamismo poco sostenido y con momentos donde el ritmo decae, con el misterio de los detectives clásicos y una ambientación discreta de la Inglaterra en el siglo XIX. Visualmente, la palidez del lugar mezclada con la circunstancial oscuridad de ciertas situaciones, parece mostrar el producto detrás de un telón transparente, con tonos grisáceos que la fortalecen desde el aspecto visual: la hacen ver clásica y sospechosa, como deben ser las películas de misterio.
Considerada una película de acción con mucho humor, o mejor dicho una comedia con algunos rasgos de acción intensa, parece restarle puntos el hecho de ser una película de acción con menos humor del que aparenta proponer, o mejor dicho, una comedia light con desaprovechadas escenas de acción vertiginosa. Al no encontrar su lugar en un género específico, resulta ser una exploración desde el suspenso, el thriller, el misterio, el drama, la comedia, la acción y el romance, sin establecerse en uno ni demostrar claridad a la hora de expresarse. Tan sólo algo es seguro, y es que sus intenciones son ganar dinero, atraer multitudes e ignorar críticas como las mías: notoriamente destructivas, pero con muchos puntos que la rescatan del hundimiento absoluto.
Uno de ellos, ya nombrado, Robert Downey Jr. Otro, la creación de escenarios muy creíbles y muy ingleses. Para continuar, los efectos en cámara lenta a la hora de los enfrentamientos o los efectos sonoros, algunos de alto impacto y unos contados, de tensión alta. La musicalización, típica de una película sedienta de dólares, pero ambiciosa, expresiva, delicada. Parece que se encarga, no sólo de poner play a algunas emociones sonoras, sino también de formar a Holmes como un personaje delicado: hay unos buenos momentos donde la música parece jugar un buen rol en su caracterización: al compás de un actor que merece aplausos.
Aparte del resto del elenco, una comunidad estática, inexpresiva y sobrante, el guión (fundamental) tiene excesos, básicamente. Excesos a la hora de crear a Holmes como un personaje deductivo, detectivezco; excesos a la hora de crear a Holmes como un desastre con pies, haciendo locuras; excesos a la hora de fundamentarlo todo, absolutamente todo, haciendo de la mente humana un aislamiento, sin permitirle trabajar ni suponer. La película se soluciona sola, no tiene demasiada inteligencia, ni preguntas retóricas, tan sólo la soberbia de ser quien responda a todos nuestros interrogantes DURANTE la película. Faltó pulir el lado cómico del guión, hacer una comedia con algo más de racionalismo, y no hablar de más. Cuando se pretende hacer una historia en grande, con grandes ambiciones, grandes personajes, una gran ambientación, un gran complemento sonoro, una gran historia: bueno, a veces el auto que viene muy acelerado olvida dónde doblar.
Puntuación: 5/10 (Floja)

¿Qué pasó ayer?: un film de los Coen, sin los Coen. Digamos...

¿Qué pasó ayer?


Ubicada momentáneamente entre las mejores comedias del año 2009, ''¿Qué pasó ayer?'' o ''The Hangover'', narra con la gracia de lo extravagante y con las reconstrucciones policíacas poco profesionales la despedida de soltero de un hombre serio, seguido por su cuñado (un afectuoso muchacho con grandes ambiciones en el juego, con mucha sed de alcohol, mucho hambre de prostitutas, mucho amor para dar...) y sus dos mejores amigos. Uno de ellos, es un hombre que se hace llamar doctor; un odontólogo dominado por su esposa y estructurado delante de ella (aparentemente, el mayor de los cuatro, un hombre engañado y bastante perjudicado por la ciudad del pecado). El otro, es un profesor al que le interesa la fiesta, la luz, el color y la sangre de Las Vegas.
Pese a ser bastante diferentes y a tomarse este viaje bastante en serio (con una intención en común: disfrutar de la inolvidable noche por la que brindan en lo alto del Cesar Palace), acaban -paradójicamente- olvidándose de lo inolvidable, tras una noche llena de alcohol, drogas, que van reconstruyendo paso a paso al día siguiente cuando amanecen tres de ellos en una habitación arruinada, con -entre otras cosas- una gallina, un felino enorme, un bebé al que bautizan (figurativamente). Sólo vemos a una mujer salir del cuarto: cuando uno de ellos despierta, el resto le sigue y se encuentra inmerso en una catástrofe.
Luego las situaciones se van agravando. Ed Helms viene a interpretar al odontólogo que sale muy perjudicado; aún así, hay un final para él que hace justicia, y va más allá de ser un final feliz o no: simplemente es justo, y así, presenta optimismo para los hombres que puedan sentirse identificados con el muchacho. La búsqueda desesperada por la verdad, las diferentes estaciones en las que este trío tiene que parar para averiguar, van mostrándoles a ellos cuán lejos puede llegar la mente humana estimulada con roofies, una droga fuertísima que es responsable de sus acciones.
Hay momentos donde la película parece ser una comedia-homenaje a muchas películas de muchos géneros. Ya el uso del conteo de cartas en el famoso juego del Blackjack, las diversiones sobre una ruta o la capacidad de hacer reir con -dentro de una película que puede denominarse seria- situaciones disparatadas. Minuto a minuto puede captarse el estilo de la verdadera comedia, que simboliza -quizá- las ganas de reirse sin tanto costo.
La película tiene un costado único y muy serio: añaden los gestos de una película de misterio, en la que estos tres deben investigar sus propios crímenes (por así decirlo) e investigar una inminente desaparición. Cada vez se va tornando más exagerada, graciosa, desesperante y, en su mayor depresión, absurda.
Todd Phillips, el director, es realmente un héroe. Alzar el género de la comedia a una potencia tal, es trabajo de héroe o dios. Sin embargo, tiene la fórmula de -aunque suene tonto, no lo es- una película infantil. Aventuras entre amigos. Un villano medio loco. Hora y media. Es, digamos, una película infantil... pero con sexo, drogas y fiesta. La inmadurez, por momentos, es notoria, y recae en las escenas donde aparece el villano, un hombre oriental interpretado por Ken Jeong. La película se va tornando una animación con, bueno, algún que otro enfoque subido de tono. A veces intentar hacer una comedia, del estilo -digamos- a ''Euroviaje Censurado'', puede tener como consecuencia excederse de idioteces y atravesar los límites de una película para adultos, aniñándose paso a paso.
En el largometraje pueden apreciarse excitantes imágenes de lujos, colores para saciar a los ambiciosos; unas cautivantes imágenes de paisajes desérticos y muchos tonos amarronados. Además de todos estos paisajes, combinados con algunas situaciones cómicas tanto a la ida como a la vuelta, pueden oirse como música de fondo, canciones de rap, hip-hop, para estimularnos y mostrarnos qué hay con lo que se vendrá.
Vale aclarar que enfrentarse a ''The Hangover'' significa enfrentarse a una película distinta. Hay muchas contradicciones en ella: índices de superioridad y de gran capacidad intelectual que se contrarrestan con escenas estúpidas, absurdas y patéticas, que se sostienen en el contínuo intercambio hasta el final de la película, donde los créditos finales parecen querer hablar, relacionándose con todo aquello que ha sucedido en la noche inolvidable que todos olvidaron. Está muy bien actuada; tanto Bradley Cooper como Zach Galifianakis sobresalen en sus papeles de -respectivamente- el profesor y el cuñado del novio. El resto realiza buenas interpretaciones, sin demasiados logros obtenidos, pero con muy buena química, al punto de hacernos creer sus lazos, personalidades, historias.
Todo el peso de la composición recae en el guión: Jon Lucas es uno de los guionistas. Se acostumbra a las comedias, y ya ha fracasado con ''Four christmases'' y con ''Los fantasmas de mis ex'', ambas películas bastante malas. Scott Moore es el otro, que sigue prácticamente la misma filmografía que el previamente mencionado. Nomás que en esta gran comedia, su trabajo fue superior, y pese a caer en momentos tontos en exceso, se nota la inteligencia y la predisposición a la hora de querer componer una película diferente, hecha para reirse descostilladamente, pero sin llevarla al convencionalismo, a lo obvio, a lo tan americano. Por momentos parecía un guión muy Coen, ya que suelen -cuando hacen una comedia- mezclar los aires de misterio y suspenso, con la comedia ácida (y estamos hablando de ''El quinteto de la muerte'' o la estupenda ''El Gran Lebowski''. Un poco de inteligencia no le viene nada mal a la comedia estadounidense; más, cuando todo, por malo o bueno que sea, tiene un fin sano: divertirse.
Puntuación: 7/10 (Notable)